Eigenschaften des Fauvismus

Eigenschaften des Fauvismus

Obwohl Impressionismus und Postimpressionismus die ersten künstlerischen Reaktionen gegen Tradition und strengen Akademismus darstellen, Viele Historiker betrachten die erste echte Avantgarde-Bewegung als Fauvismus.

Allgemeine Eigenschaften. Der Herbstsalon von 1905 und der Ursprung des Begriffs "Fauvismus"

Es beginnt sich aus dem zu entwickeln Herbstsalon 1905, in denen Künstler wie Henri Matisse, Albert Marquese und Henri Manguin eine Reihe lebendiger Werke ausstellten, die für Reinheit und chromatische Chrontraseten gewalttätig waren und in denen die Farbe der Hauptdarsteller war.

Die enorme Bedeutung dieser Halle der Ablehnungen, wie sie die reaktionären Ausstellungen außerhalb der offiziellen und akademischen Ausstellungen der Pariser Salons nannten, führte dazu, dass ihr viele andere "Ismen" folgten, die das ausmachen würden, was wir nennen historische künstlerische Avantgarden.

Der Begriff Fauvismus stammt aus dem emblematische Phrase, die der Kritiker Louis Vauxcelles in diesem Salon aussprach bei der Betrachtung einer Skulptur von Albert Marque, die in diesem Herbstsalon ausgestellt wurde:Donatello im Käfig der Tiere!. Das Wort "Tier" oder "Fauve"auf Französisch symbolisierte es perfekt Aggressivität und Stärke übertragen durch diese Werke.

Obwohl der Fauvismus nicht von einer homogenen Gruppe gebildet wurde (außer während des Salons von 1905) und seine Dauer nicht sehr lang sein würde, wäre er für viele Künstler der beste Weg, um über die Avantgarde-Strömung Zugang zu erhalten Erforschung der Möglichkeiten der Farbe. Viele Künstler erlebten eine anfängliche fauvistische Phase und entwickelten später ihre eigene Avantgarde-Erfahrung.

Die Autonomie der Farbe und die Vorstellung von Harmonie im Fauvismus

Die Merkmale dieser direkten Reaktion gegen die Tradition wurden von ihren Vorgängern, insbesondere von Matisse in seiner Arbeit, sehr gut erklärtNotizen eines Malersvon 1908. Die Fauvisten gingen ein wenig über die postimpressionistische Malerei hinaus und suchten das Ganze Farbautonomie.

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Wenn im Akademismus die Farbe den Regeln der mimetischen Darstellung der Natur unterliegt, dh einer exakten Reproduktion dessen, was unsere Sinne aus der natürlichen Umgebung wahrnehmen, wird im Fauvismus das gesucht Farbe dient als Medium, um die Subjektivität des Künstlers zu kanalisieren.

Dies bedeutet, die chromatischen Bedingungen zu beseitigen, die die Ausdrucksfähigkeit des Künstlers auf das beschränken, was in der Natur gesehen wird, und sie durch starkes c zu ersetzenauf Kontrasten von reinen und lebendigen Farben, hell und lebendig das spiegelt deine Subjektivität wider.

Dies bedeutet jedoch keine willkürliche Verwendung von Farbbereichen, da die fauvistische Malerei ein eigenes Konzept von Harmonie und Schönheit entwickelte. Die fauvistische Harmonie basierte auf Kontrasten und Gegensätzen von Komplementärfarben, kalt und warm, dunkel und hell.

Wenn Farbe als Hauptprotagonist im Dienste der Subjektivität des Künstlers steht, Formen und Komposition werden einfacher, da der Hauptzweck darin besteht, durch diese chromatischen Kontraste beim Betrachter eine Sinneserfahrung hervorzurufen.

Diese Aggressivität drückt sich auch durch aus dicke Pinselstriche heftig angewendet, die in vielen Fällen an Werke von Van Gogh erinnern, wie z Die Sternreiche Nacht oder Nachtkaffee. Das Thema war sehr vielfältig, mit einer engen Beziehung zur im Impressionismus praktizierten und aufeinanderfolgenden Außenmalerei.

Das fauvistische Gemälde: Henri Matisse (1869-1954).

Der Fauvismus entwickelte sich hauptsächlich in der Malerei. Obwohl einige Experten von einer fauvistischen Skulptur sprechen, diente die Bildkunst als ideales Mittel, um den Protagonismus der Farbe zu kanalisieren.

Die Figur des fauvistischen Gemäldes schlechthin ist die bereits erwähnte Matisse Y. Seine Flugbahn repräsentiert perfekt die Entwicklung zur Autonomie der Farbe.

Französischer Maler geboren 1869, entwickelte ursprünglich ein viel gedämpfteres Gemälde, das dem Impressionisten näher kamals der, den er in den frühen Jahren des 20. Jahrhunderts tun würde.

Cézzanes Stillleben und Stillleben und Van Goghs eigene Bewegung in Pinselstrichen wären in diesem frühen Stadium die Haupteinflüsse, mit Werken wie Vase mit Sonnenblumen, die aufgrund ihrer verschwommenen Formen bis zu einem gewissen Grad an die des niederländischen Malers erinnern, ein Trend, der sich später in seiner fauvistischen Phase fortsetzen wird.

Ebenso dieFrau liest von 1894 Es zeichnet sich durch seinen Barockstil in der Farbpalette von Braun und Grün aus, in einem Konzept, das dem, was die Bourgeoisie mochte, viel näher kommt. In dieser Arbeit sehen Sie eine viel klarere Behandlung der Zeichnung und eine viel rationalere Komposition als das, was er Jahre später tun würde.

Es ist bemerkenswert, welche Aura des Mysteriums die Arbeit umgibt, indem die Frau mit dem Rücken zum Betrachter sitzt, dessen Gesicht wir nicht kennen. Das Auftragen von Farbe erinnert etwas an neoimpressionistischer Pointillismusvor allem in der Füllung der Wände und dem schwarzen Kleid der Frau.

Um 1900wird sein Gemälde viel chromatischer, reich an Farbkontrasten. MitGeschirr auf einem Tisch Ab 1900, der das Werk zwischen dem Impressionisten und dem Fauvisten sein könnte, begann er, dem Kontrast der Farben mehr Bedeutung zu verleihen. Der Salon von 1905 war das Katapult für die Anerkennung seiner Kunst, wenn auch nur von einer Minderheit.

Und es werden die dort ausgestellten Werke sein, die die Richtlinien der fauvistischen Bewegung sowie die harmonische und autonome Konzeption des Farbkontrasts und der Entstellung von Formen bestimmen.

Der visuelle Effekt, den Matisse in seinen Arbeiten widerspiegelt, ist das Mosaik der Farben, was er mit dem Kontrast zwischen Rot und Grün, Veilchen und Gelb erreicht. In Porträts wieGrünes Streifenporträt(1905)Was vorherrscht, ist nicht die Dreidimensionalität und die Darstellung verschiedener Ebenen, sondern der chromatische Reichtum.

Aus diesem Grund befreit er sich nicht von der Verwendung der gleichen Farben in der im Vordergrund dargestellten Figur wie im Hintergrund des Gemäldes mit einheitlichen Kompositionen in zwei Dimensionen.

In den Landschaften im Freien und in den Gemälden mit Fenstermotiven wendet er auch den flachen Charakter der Perspektive an, indem er das Nahe mit dem Fernen verbindet und Volumen zugunsten der Farbe eliminiert. Bemerkenswerte Werke wie Fenster öffnen (1905) oder Blaues Fenster (1913).

Besonders zu erwähnen sind dieLandschaften von Collioure (1905)Dies ist ein wahrer visueller Tornado chromatischer Kontraste ohne Form, Raum oder Perspektive, der über den Fauvisten hinausgeht und fast an die Abstraktion grenzt.

Ein weiteres Thema, das Matisse lange Zeit beschäftigte, war das nackt im Freienvon großem impressionistischen Einfluss. Der äußere Akt in Matisse wird durch Musik und Tanz gerechtfertigt, mit anatomischen Figuren von großer Einfachheit, die in einer schlecht definierten nächtlichen Umgebung tanzen. Zum Beispiel sehen wir es in den beiden emblematisch Versionen von Der Tanz von 1909 und 1910, oder in Musik ab 1910.

Seit der Jahre 20 bis 40Matisse beginnt mit französischen Künstlern und vielen anderen Nationalitäten zusammenzuarbeiten. Er erlebt, wie viele avantgardistische Zeitgenossen, die Eklektizismus seiner Kunst. Mit anderen Worten, er begann, Einflüsse aus anderen Bewegungen, Techniken und Avantgarde-Bewegungen in seine künstlerische Methode einzubeziehen. In den letzten Jahren seiner Karriere führte ihn beispielsweise sein Wunsch nach Synthese, die Unterdrückung von Linien und Formen dazu, die Collagetechnik zu entwickeln, die er in seiner Serie anwendet Jazz (1947).

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Obwohl Matisse ist das exponentielle Maximum der fauvistischen BewegungWir können das Gemälde dieser Avantgarde nicht abschließen, ohne auf andere große Maler Bezug zu nehmen, die in ihren Werken die Theorie der Autonomie der Farben angewendet haben. Wie wir bereits gesagt haben, haben viele Künstler zuerst die Farbe der Fauvisten erlebt und dann andere avantgardistische Erfahrungen gemacht.

André Derain (1880-1954).

Aus der Festung der Halle von 1905 können wir erwähnen André Derain und sein Kerzentrocknung (1905) oder der London Bridge (1906).

Der erste erinnert an die Drucken. Aufgehende Sonne von Monet, wie flüssig Malerei ist und wie die aquatische Umwelt und ihre Reflexion genutzt werden, um eine verschwommene Umgebung zu schaffen. Wenden Sie die gleichen Methoden wie Matisse in kontrastierenden Ergänzungen anund kombiniert die architektonische Umgebung des Hafens mit einem natürlichen Hintergrund.

Den Charakteren, die entlang der Promenade zirkulieren, mangelt es an Personalisierung und Porträt, da ihn das harmonische Mehrfarbenspiel und nicht die getreue Darstellung der Natur interessiert.

Romantisch im künstlerischen Sinne des Wortes. In meiner Jugend erinnerten mich sowohl meine Familie als auch meine Freunde immer wieder daran, dass ich ein eingefleischter Humanist war, da ich Zeit damit verbrachte, das zu tun, was andere vielleicht nicht taten. Ich glaubte, Bécquer zu sein, in meine eigenen künstlerischen Fantasien vertieft, in Bücher und Filme, ständig reisen zu wollen und Entdecken Sie die Welt, bewundert für meine historische Vergangenheit und für die wunderbaren Produktionen des Menschen. Deshalb habe ich mich entschlossen, Geschichte zu studieren und sie mit Kunstgeschichte zu kombinieren, weil es mir am besten erschien, die Fähigkeiten und Leidenschaften zu verwirklichen, die mich auszeichnen: Lesen, Schreiben, Reisen, Forschen, Wissen, Bekanntmachen, Erziehen. Offenlegung ist eine weitere meiner Beweggründe, weil ich verstehe, dass es kein Wort gibt, das einen echten Wert hat, wenn es nicht so ist, weil es effektiv übertragen wurde. Und damit bin ich entschlossen, dass alles, was ich in meinem Leben tue, einen pädagogischen Zweck hat.


Video: Ernst Ludwig Kirchner. Retrospektive