Dieser Tag in der Geschichte: 21.10.1959 - Das Guggenheim wird eröffnet

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In diesem Videoclip zu "This Day in History" erfahren Sie mehr über verschiedene Ereignisse, die sich am 21. Oktober ereignet haben. Einige der Ereignisse umfassen die Einführung der USS Constitution und Thomas Edison, der die erste funktionierende Glühbirne entwickelt. Auch ein ehemaliger philippinischer Präsident wird festgenommen und das Guggenheim Museum eröffnet.


Heute in der Geschichte –. Oktober

Heute ist Mittwoch, der 28. Oktober, der 301. Tag des Jahres 2009. Das Jahr hat noch 64 Tage.

Das heutige Highlight in der Geschichte

Am 28. Oktober 1886 wurde die Freiheitsstatue, ein Geschenk des französischen Volkes, im Hafen von New York von Präsident Grover Cleveland eingeweiht.

An diesem Datum

Im Jahr 1636 verabschiedete das General Court of Massachusetts einen Gesetzesakt zur Gründung des Harvard College.

Im Jahr 1776 wurde die Schlacht von White Plains während des Unabhängigkeitskrieges ausgetragen, was zu einem begrenzten britischen Sieg führte.

1793 meldete Eli Whitney ein Patent für den Baumwoll-Gin an.

1858 eröffnete Rowland Hussey Macy seinen ersten New Yorker Store an der Sixth Avenue und 14th Street in Manhattan.

1871 fand der britische Experte Sir Henry Morton Stanley nach monatelanger Suche den schottischen Entdecker und Missionar David Livingstone in einem entlegenen Teil Afrikas. Er begrüßte ihn mit den legendär gewordenen Worten: “Dr. Livingstone, nehme ich an?” Livingstone war 1841 als Arzt und Missionar nach Afrika geschickt worden. Er durchquerte als erster Europäer den südlichen Teil Afrikas und entdeckte 1855 die Victoriafälle. Er starb 1873 an der Ruhr bei der Suche nach der Quelle des Nils.

1914 wurde Dr. Jonas Edward Salk geboren, der amerikanische Mediziner, der den ersten Impfstoff gegen Polio entwickelte.

1918 erklärte die Tschechoslowakei ihre Unabhängigkeit.

Im Jahr 1919 erließ der Kongress den Volstead Act, der die Durchsetzung des Verbots vorsah, gegen das Veto von Präsident Woodrow Wilson.

1922 kam der Faschismus nach Italien, als Benito Mussolini die Regierung übernahm.

1936 weihte Präsident Franklin D. Roosevelt die Freiheitsstatue zu ihrem 50. Jahrestag neu.

1940 marschierte Italien während des Zweiten Weltkriegs in Griechenland ein.

1958 wurde der römisch-katholische Patriarch von Venedig, Angelo Giuseppe Roncalli, zum Papst gewählt, er nahm den Namen Johannes XXIII.

1962 teilte der sowjetische Führer Nikita Chruschtschow den Vereinigten Staaten mit, dass er den Abbau von Raketenbasen in Kuba angeordnet habe.

1965 erließ Papst Paul VI. ein Dekret, das Juden von der Kollektivschuld an der Kreuzigung Jesu Christi freisprach.

1976 kam der ehemalige Nixon-Berater John D. Ehrlichman in ein Bundesgefängnislager in Safford, Arizona, um seine Haftstrafe wegen Watergate-Verurteilungen zu verbüßen.

1980 standen sich Präsident Jimmy Carter und der republikanische Präsidentschaftskandidat Ronald Reagan in einer landesweit ausgestrahlten, 90-minütigen Debatte in Cleveland gegenüber. Ronald Reagan fragte die Wähler während der Debatte: „Geht es Ihnen besser als vor vier Jahren?“

1999, vor zehn Jahren, debattierten fünf republikanische Präsidentschaftskandidaten in ihrem zweiten Treffen in weniger als einer Woche wieder über Themen wie Abtreibung, Gesundheitsfürsorge und Steuern, Spitzenreiter George W. Bush war bei der Versammlung in New Hampshire nicht dabei.

1999 verabschiedete das Repräsentantenhaus mit 218-211 den letzten Ausgabenentwurf des Jahres, gegen den Präsident Bill Clinton sein Veto einlegen wollte.

Im Jahr 2004, vor fünf Jahren, exekutierten Aufständische elf irakische Soldaten und erklärten auf einer militanten islamischen Website, dass irakische Kämpfer „das Blut“ von Frauen und Kindern rächen würden, die bei US-Angriffen auf die Guerilla-Hochburg Falludscha getötet wurden.

Im Jahr 2004 kamen Zehntausende von Boston Red Sox-Fans in der Nähe des historischen Fenway Parks, um ihr World Series-Champion-Team zu feiern, das erste der Stadt seit 1918.

Im Jahr 2005 trat der Top-Berater von Vizepräsident Dick Cheney, I. Lewis “Scooter” Libby, zurück, nachdem er wegen Behinderung der Justiz, Meineids und falscher Aussagen in der CIA-Leak-Untersuchung angeklagt wurde. (Libby wurde verurteilt und zu 30 Monaten Gefängnis verurteilt. Präsident George W. Bush wandelte seine Strafe um.)

2006 starb Hall of Fame-Basketballtrainer Red Auerbach im Alter von 89 Jahren.

Im Jahr 2007 errang Argentiniens First Lady Cristina Fernandez den Sieg bei den Präsidentschaftswahlen des Landes und wurde damit die erste Frau, die in dieses Amt gewählt wurde.

Im Jahr 2008, vor einem Jahr, wurde der frühere Bürgermeister von Detroit, Kwame Kilpatrick, wegen seiner Beteiligung an einem Sex- und Textskandal zu vier Monaten Gefängnis verurteilt. (Kilpatrick war am Ende 99 Tage gedient.)

Geburtstage von heute&#

Jazzsängerin Cleo Laine ist 82. Schauspielerin Joan Plowright ist 80. Musiker und Songwriter Charlie Daniels ist 73. Schauspielerin Jane Alexander ist 70. Sänger Curtis Lee ist 68. Schauspieler Dennis Franz ist 65. Popsänger Wayne Fontana ist 64. Schauspielerin Telma Hopkins is 61. Leichtathletik-Olympiasieger Bruce Jenner ist 60. Schauspielerin Annie Potts ist 57. Microsoft-Mitbegründer Bill Gates ist 54. Der iranische Präsident Mahmoud Ahmadinejad ist 53. Rockmusiker Stephen Morris (New Order) ist 52. Country/Gospel-Sänger und Musiker Ron Hemby (The Buffalo Club) ist 51. Rocksänger und Musiker William Reid (The Jesus & Mary Chain) ist 51. Schauspieler Mark Derwin ist 49. Schauspielerin Daphne Zuniga ist 47. Schauspielerin Lauren Holly ist 46. Schauspielerin Jami Gertz ist 44. Schauspieler Chris Bauer ist 43. “Tonight Show”-Sidekick Andy Richter ist 43. Schauspielerin Julia Roberts ist 42. Country-Sängerin und Musikerin Caitlin Cary ist 41. Schauspieler Jeremy Davies ist 40. Sänger Ben Harper ist 40 Country-Sänger Brad Paisley ist 37. Der pensionierte NFL-Spieler Terrell Davis ist 37. Schauspieler Joa quin Phoenix ist 35. Sänger Justin Guarini (“American Idol”) ist 31. Popsänger Brett Dennen ist 30. Rockmusiker Dave Tirio (Plain White T’s) ist 30.

Historische Geburtstage von heute

Heinrich III
10/28/1017 – 10/5/1056
König des Heiligen Roms und Deutschlands (1046-56)

Desiderius Erasmus
10/28/1466 – 7/12/1536
Niederländischer Gelehrter

Cornelius Otto Jansen
10/28/1585 – 5/6/1638
Flämischer römisch-katholischer Reformführer

Eliphalet Remington
10/28/1793 – 8/12/1861
US-amerikanischer Waffenhersteller und Erfinder

Georges Auguste Escoffier
10/28/1846 – 2/12/1935
Französischer Kochkünstler

Gilbert H. Grosvenor
10/28/1875 – 2/4/1966
US-amerikanischer Geograph Präsident der National Geographic Society (1920-54)

Howard Hanson
10/28/1896 – 2/26/1981
US-amerikanischer Komponist und Dirigent

Edith Kopf
10/28/1897 – 10/24/1981
US-amerikanischer Filmkostümdesigner

Evelyn Waugh
10/28/1903 – 4/10/1966
Englischer Schriftsteller

Francis Speck
10/28/1909 – 4/28/1992
Britischer Maler

Dr. Jonas Edward Salk
10/28/1914 – 6/23/1995
Amerikanischer Arzt und Forscher entwickelt Polio-Impfstoff

Gedanken für heute

“Die Wahrheit wird nicht von außen in das Individuum eingeführt, sondern war die ganze Zeit in ihm.” – Sören Kierkegaard, dänischer Philosoph (1813-1855).


Die Kennedy-Nixon-Debatten: Endrunde

Auf 21. Oktober, 1960, waren die amerikanischen Zuschauer bei der Übertragung der vierten und letzten Debatte zwischen dem republikanischen Vizepräsidenten Richard M. Nixon und dem demokratischen Senator John F. Kennedy an ihre Fernsehgeräte gefesselt.

Die erste im Fernsehen übertragene Debatte zwischen Präsidentschaftskandidaten fand am 26. September 1960 statt. Schätzungsweise sechzig bis siebzig Millionen Zuschauer verfolgten die erste und die darauffolgenden Debatten, die als “die großen Debatten” bekannt wurden

Jetzt geht das schon wieder los. Edmund S. Valtman, Künstler veröffentlicht in: Hartford Times, 12. September 1960. Cartoon-Zeichnungen. Abteilung für Drucke und Fotografien

Die erste Debatte, die von CBS ausgestrahlt wurde, konzentrierte sich auf inländische Fragen. Jeder Kandidat hatte acht Minuten Zeit für ein Eröffnungsstatement, gefolgt von 30 Minuten Fragen und Antworten und insgesamt zehn Minuten für das Schlussstatement. In der ersten und letzten Aussprache standen zweieinhalb Minuten für Antworten und eineinhalb Minuten für Kommentare zu an den Gegner gerichteten Fragen zur Verfügung. Die vierte Debatte, die von ABC ausgestrahlt wurde, konzentrierte sich auf außenpolitische Fragen, insbesondere auf die Beziehungen der USA zu Kuba.

Die zweite und dritte einstündige Debatte, die von NBC bzw. ABC aus New York im Fernsehen übertragen wurden, folgten einem lockereren Format mit einem Nachrichtenpanel, das die Kandidaten zu einer Vielzahl von Themen befragte. Die zweite Debatte enthielt weder Eröffnungs- noch Schlussworte der Kandidaten. Die dritte Debatte war die erste echte “elektronische Debatte”, bei der sich die beiden Kandidaten von gegenüberliegenden Küsten gegenüberstellten. Kennedy sprach aus einem Fernsehstudio in New York und Nixon aus Los Angeles.

Die Debatten von 1960 wurden mit den berühmten Debatten von 1858 im Senatswahlkampf zwischen Abraham Lincoln und Stephen Douglas verglichen. Die sieben Lincoln-Douglas-Debatten fanden jedoch in den Städten mehrerer Wahlbezirke im Freien statt. Jede Debatte dauerte drei Stunden – zuerst sprach ein Kandidat für eine Stunde, dann sprach der zweite Kandidat anderthalb Stunden und dann sprach der erste Kandidat noch einmal für weitere dreißig Minuten. An den Debatten nahmen Menschenmengen von 1.500 bis 20.000 Personen teil.

Präsident John F. Kennedy, Kopf-Schulter-Porträt, nach vorne gerichtet. Foto der US-Marine, 1961. Abteilung für Drucke und Fotografien Richard M. Nixon, Kopf-Schulter-Porträt, nach vorne gerichtet. Offizielles Foto des Weißen Hauses, zwischen 1969-1974. Abteilung für Drucke und Fotografien

Im 20. Jahrhundert wurde das Radio zum neuen politischen Medium. Während des Präsidentschaftswahlkampfs von 1924 sendeten Radiosender die Reden des amtierenden Präsidenten Calvin Coolidge, des republikanischen Kandidaten, und John W. Davis, des demokratischen Kandidaten. Während des Zweiten Weltkriegs zog Präsident Franklin Delano Roosevelt die Aufmerksamkeit der amerikanischen Öffentlichkeit auf sich, indem er dieses Medium in seiner Radiosendung “fireside chats” einsetzte

Die zunehmende Nutzung des Radios durch Politiker führte zu Auseinandersetzungen über Freiheit versus Verantwortung der Rundfunkwirtschaft bei der Berichterstattung über politische Ereignisse. Kritik seitens politischer Parteien, des Kongresses und der Federal Communications Commission führte zu Gesetzen in den Bereichen gleiche Sendezeit und Meinungsfreiheit.

Lincoln Douglas Debatte Du Page County Centennial, 27. August, West Chicago //Kreger. Illinois: Federal Art Proj., WPA, [zwischen 1936-1939]. Poster: WPA-Poster. Abteilung für Drucke und Fotografien

1952 wurden erstmals landesweite politische Kongresse und der Präsidentschaftswahlkampf im Fernsehen übertragen. Die Öffentlichkeit verfolgte die Fernsehberichterstattung über die Kampagne gespannt und bewertete das Fernsehen als das informativste Medium. Fernsehübertragungen der Debatten im Präsidentschaftswahlkampf 1960 waren eine Reaktion auf die Begeisterung der Öffentlichkeit für diese Art der Berichterstattung.

Meinungsforscher schätzen, dass etwa 3,4 Millionen Wähler ihre Parteiwahl allein aufgrund der Großen Debatten bestimmt haben. Die Meilensteinereignisse haben den Rundfunkmedien eine zentrale Rolle im amerikanischen politischen Leben eingeräumt. Der Trend setzt sich fort, obwohl Kritiker den Medien die Schuld für das “Merchandising” von Kandidaten, die steigenden Kosten politischer Kampagnen und den Einsatz von Werbeagenturen bei der “Bildmanipulation” von Kandidaten geben.


Inhalt

Beide Eltern von Guggenheim waren aschkenasischer jüdischer Abstammung. Ihre Mutter, Florette Seligman (1870-1937), war ein Mitglied der Familie Seligman. Als sie 1919 21 Jahre alt wurde, erbte Guggenheim 2,5 Millionen US-Dollar, das entspricht 37,3 Millionen US-Dollar im Jahr 2020. Guggenheims Vater Benjamin Guggenheim, ein Mitglied der Guggenheim-Familie, starb beim Untergang der Titanic, hatte das Vermögen seiner Geschwister nicht angehäuft, daher war ihr Erbe weitaus geringer als das ihrer Cousins.

Sie arbeitete zunächst als Angestellte in einem Avantgarde-Buchladen, dem Sunwise Turn, in Midtown Manhattan, wo sie sich in die Mitglieder der böhmischen Künstlergemeinschaft verliebte. 1920 zog sie nach Paris, Frankreich. Dort freundete sie sich mit avantgardistischen Schriftstellern und Künstlern an, von denen viele im Stadtteil Montparnasse in Armut lebten. Man Ray fotografierte sie [1] und war zusammen mit Constantin Brâncuși und Marcel Duchamp ein Freund, dessen Kunst sie schließlich fördern sollte.

Sie freundete sich mit der Schriftstellerin Natalie Barney und der Künstlerin Romaine Brooks an und war regelmäßig in Barneys Salon. Während dieser Zeit lernte sie Djuna Barnes kennen und wurde mit der Zeit ihre Freundin und Gönnerin. Barnes schrieb ihren bekanntesten Roman, Nachtwald, während er im Devon Landhaus Hayford Hall wohnte, das Guggenheim für zwei Sommer gemietet hatte.

Guggenheim drängte Emma Goldman, ihre Autobiografie zu schreiben, und half ihr, Geld für ihr Leben in Saint-Tropez, Frankreich, zu sichern, während sie ihre zwei Bände schrieb Lebe mein Leben. [2] Guggenheim schrieb ihre eigene Autobiografie mit dem Titel Aus diesem Jahrhundert, später überarbeitet und neu veröffentlicht als Bekenntnisse eines Kunstsüchtigen [3], das 1946 veröffentlicht wurde [4] und jetzt bei Harper Collins veröffentlicht wird. [5]

Im Januar 1938 eröffnete Guggenheim in London eine Galerie für moderne Kunst mit Zeichnungen von Jean Cocteau in ihrer ersten Ausstellung und begann, Kunstwerke zu sammeln. Guggenheim kaufte oft mindestens ein Objekt aus jeder ihrer Ausstellungen in der Galerie. [6] Nach Ausbruch des Zweiten Weltkriegs kaufte sie so viel abstrakte und surrealistische Kunst wie möglich. [3]

Ihre erste Galerie hieß Guggenheim Jeune, der genial gewählte Name, um ihre Galerie sowohl mit dem Inbegriff einer Galerie, der französischen Bernheim-Jeune, als auch mit dem Namen ihrer eigenen bekannten Familie zu verbinden. Die Galerie in der Cork Street 30, neben Roland Penroses und E. L. T. Mesens' Vitrine für die surrealistische Bewegung, erwies sich dank vieler Freunde, die Ratschläge gaben und halfen, die Galerie zu leiten, erfolgreich. Marcel Duchamp, den sie seit den frühen 1920er Jahren kannte, als sie mit ihrem ersten Ehemann Laurence Vail in Paris lebte, hatte Guggenheim in die Kunstwelt eingeführt. Durch ihn lernte sie bei ihren häufigen Besuchen in Paris viele Künstler kennen. Er lehrte sie über zeitgenössische Kunst und Stile und konzipierte mehrere der Ausstellungen, die in Guggenheim Jeune.

Der Cocteau-Ausstellung folgten Ausstellungen von Wassily Kandinsky (seine erste Einzelausstellung in England), Yves Tanguy, Wolfgang Paalen und einigen anderen bekannten und einigen weniger bekannten Künstlern. Peggy Guggenheim veranstaltete auch Gruppenausstellungen mit Skulpturen und Collagen, an denen die heute klassischen Modernen Antoine Pevsner, Henry Moore, Henri Laurens, Alexander Calder, Raymond Duchamp-Villon, Constantin Brâncuși, John Ferren, Jean Arp, Max Ernst, Pablo . teilnahmen Picasso, Georges Braque und Kurt Schwitters. Sie bewunderte auch die Arbeit von John Tunnard (1900–1971) sehr und wird mit seiner Entdeckung im Mainstream der internationalen Moderne ausgezeichnet.

Als Guggenheim feststellte, dass ihre Galerie, obwohl sie gut aufgenommen wurde, im ersten Jahr 600 Pfund verloren hatte, beschloss sie, ihr Geld praktischer auszugeben. Ein Museum für zeitgenössische Kunst war genau die Institution, die sie sich unterstützen konnte. Ganz sicher waren ihr auch die Abenteuer in New York City ihres Onkels Solomon R. Guggenheim im Gedächtnis, der mit Hilfe und Ermutigung der Künstlerin Baroness Hilla von Rebay zwei Jahre zuvor die Solomon R. Guggenheim Foundation gegründet hatte. Das Hauptziel dieser Stiftung war es, abstrakte Kunst zu sammeln und zu fördern, was zur Eröffnung des Museums für gegenstandslose Malerei (ab 1952: The Solomon R. Guggenheim Museum) Anfang 1939 in der East 54th Street in . führte Manhattan. Guggenheim geschlossen Guggenheim Jeune mit einer Abschiedsfeier am 22. Juni 1939, bei der Farbporträts von Gisèle Freund an die Wände projiziert wurden. Gemeinsam mit dem englischen Kunsthistoriker und Kunstkritiker Herbert Read begann sie, Pläne für ein Museum of Modern Art in London zu schmieden. Für die laufenden Kosten des Museums stellte sie 40.000 Dollar bereit. Diese Mittel wurden jedoch bald durch die Ambitionen der Veranstalter überfordert.

Im August 1939 reiste Guggenheim nach Paris, um über Leihgaben von Kunstwerken für die erste Ausstellung zu verhandeln. In ihrem Gepäck war eine von Herbert Read für diesen Anlass erstellte Liste. Kurz nach ihrer Abreise brach der Zweite Weltkrieg aus, und die Ereignisse nach dem 1. September 1939 führten dazu, dass sie den Plan freiwillig oder unfreiwillig aufgab. Dann "entschloss sie sich, Gemälde von allen Malern zu kaufen, die auf der Liste von Herbert Read standen. Da ich viel Zeit und alle Gelder des Museums zur Verfügung hatte, habe ich mich dazu entschlossen, ein Bild pro Tag zu kaufen." [7] Als sie fertig war, hatte sie unter anderem 10 Picassos, 40 Ernsts, acht Mirós, vier Magrittes, vier Ferrens, drei Man Rays, drei Dalís, einen Klee, einen Wolfgang Paalen und einen Chagall erworben. Inzwischen hatte sie auch neue Pläne geschmiedet und im April 1940 einen großen Raum auf der Place Vendôme als neues Zuhause für ihr Museum gemietet.

Wenige Tage bevor die Deutschen Paris erreichten, musste Guggenheim ihre Pläne für ein Pariser Museum aufgeben und floh nach Südfrankreich, von wo sie nach monatelanger Bewachung ihrer Sammlung und ihrer Künstlerfreunde im Sommer Europa nach New York verließ von 1941. Dort eröffnete sie im folgenden Jahr in der West 57th Street 30 eine neue Galerie, die teilweise ein Museum war. Es wurde die Kunst dieses Jahrhunderts genannt. Drei der vier Galerien waren der kubistischen und abstrakten Kunst, dem Surrealismus und der kinetischen Kunst gewidmet, wobei nur der vierte, der vordere Raum, eine kommerzielle Galerie war. Guggenheim veranstaltete in der Galerie weitere wichtige Ausstellungen, wie die Ausstellung für 31 Künstlerinnen. [8]

Ihr Interesse an neuer Kunst trug maßgeblich dazu bei, die Karrieren mehrerer bedeutender moderner Künstler voranzutreiben, darunter die amerikanischen Maler Jackson Pollock und William Congdon, den österreichischen Surrealisten Wolfgang Paalen, die Klangdichterin Ada Verdun Howell und den deutschen Maler Max Ernst, den sie im Dezember heiratete 1941. [9] Sie hatte ihre Sammlung in nur sieben Jahren zusammengetragen. [3]

Nach dem Zweiten Weltkrieg – und ihrer Scheidung von Max Ernst 1946 – schloss sie 1947 die Galerie The Art of This Century, kehrte nach Europa zurück und beschloss, in Venedig, Italien, zu leben. 1948 wurde sie eingeladen, ihre Sammlung im stillgelegten griechischen Pavillon der Biennale von Venedig auszustellen und ließ sich 1949 im Palazzo Venier dei Leoni („unvollendeter Löwenpalast“) am Canal Grande nieder. [3]

Ihre Sammlung wurde zu einer der wenigen europäischen Sammlungen moderner Kunst, die eine bedeutende Anzahl von Werken von Amerikanern förderte. In den 1950er Jahren förderte sie die Kunst zweier lokaler Maler, Edmondo Bacci und Tancredi Parmeggiani. In den frühen 1960er Jahren hatte Guggenheim fast aufgehört, Kunst zu sammeln und begann sich auf die Präsentation ihres bereits vorhandenen Besitzes zu konzentrieren. Ihre Sammlung verlieh sie an Museen in Europa und 1969 an das Solomon R. Guggenheim Museum in New York City, das nach ihrem Onkel benannt wurde.Schließlich beschloss sie, ihr Haus und ihre Sammlung der Solomon R. Guggenheim Foundation zu spenden, ein Geschenk, das abgeschlossen wurde unter Lebenden 1976, vor ihrem Tod 1979.

Die Peggy Guggenheim Collection ist eines der bedeutendsten Museen in Italien für europäische und amerikanische Kunst der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Stücke in ihrer Sammlung umfassen Kubismus, Surrealismus und abstrakten Expressionismus. [10]

Guggenheim lebte in Venedig bis zu ihrem Tod in Camposampiero bei Padua, Italien, nach einem Schlaganfall. Ihre Asche wird im Garten (später Nasher Sculpture Garden) ihres Hauses, dem Palazzo Venier dei Leoni (in der Peggy Guggenheim Collection), neben ihren Hunden beigesetzt. [3]

Sowohl Guggenheim als auch ihr Biograf Anton Gill zufolge soll sie, während sie in Europa lebte, "mit 1.000 Männern geschlafen" haben. [11] Sie behauptete, Affären mit zahlreichen Künstlern und Schriftstellern gehabt zu haben, und im Gegenzug haben viele Künstler und andere Affären mit ihr behauptet. Auf die Frage des Dirigenten Thomas Schippers, wie viele Ehemänner sie habe, antwortete sie: "Meinen Sie meinen eigenen oder den von anderen?" [12] [13] In ihrer Autobiografie nennt Peggy die Namen einiger dieser Liebhaber, darunter Yves Tanguy, Roland Penrose und E. L. T. Mesens. [14]

Ihre erste Ehe war mit Laurence Vail, einem Dada-Bildhauer und Schriftsteller, mit dem sie zwei Kinder hatte, Michael Cedric Sindbad Vail (1923–1986) und Pegeen Vail Guggenheim (1925–1967). Sie ließen sich etwa 1928 nach seiner Affäre mit der Schriftstellerin Kay Boyle scheiden, die er später heiratete. Kurz nach der Auflösung ihrer ersten Ehe hatte sie eine Affäre mit John Ferrar Holms, einem Schriftsteller mit Schreibblockade, der ein Kriegsheld gewesen war. [3] [15] Ab Dezember 1939 hatten sie und Samuel Beckett eine kurze, aber intensive Affäre, und er ermutigte sie, sich ausschließlich der modernen Kunst zuzuwenden. [3] Sie heiratete 1941 ihren zweiten Ehemann, den Maler Max Ernst, und ließ sich 1946 von ihm scheiden. [9] Zu ihren acht Enkeln gehört Karole Vail, die 2017 zur Direktorin der Peggy Guggenheim Collection ernannt wurde. [16]


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Am 4. Oktober 1957 begann das Weltraumzeitalter, als die Sowjetunion Sputnik, den ersten künstlichen Satelliten, in die Umlaufbahn brachte.

Der erfolgreiche Start von Sputnik 1 war eine aufregende technologische Errungenschaft, die die Öffentlichkeit fürchtete, die Sowjets könnten in der Lage sein, Atomwaffen mit ballistischen Raketen abzufeuern und die Vereinigten Staaten anzugreifen. Beamte in Amerika entschieden, dass es an der Zeit sei, die technologischen Fähigkeiten des Landes zu stärken, und gründeten 1958 die Advanced Research Projects Agency, die später zu DARPA wurde. Später in diesem Jahr wurde im Oktober 1958 die National Aeronautics and Space Administration (NASA) gegründet.

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Am 5. Oktober 1902 wurde der amerikanische Unternehmer Ray A. Kroc geboren. Kroc stieg aus bescheidenen Anfängen auf und machte McDonald's zum berühmtesten und erfolgreichsten Fastfood-Restaurant der Welt.

Maurice und Richard McDonald haben in San Bernardino, Kalifornien, ein Barbecue-Restaurant namens McDonald’s eröffnet. Später beschlossen sie, die Speisekarte zu ändern, um Hamburger, Kartoffelchips, Pasteten und Milchshakes zu verkaufen. Ray Kroc war ein Verkäufer von Milchshake-Herstellern, der von dem Restaurant beeindruckt war. Er kaufte ein Franchise und eröffnete 1955 seinen ersten McDonald's in Des Plaines, Illinois.

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John Lennon wurde an diesem Tag im Jahr 1940 in Liverpool, England, geboren. Lennon wurde einer der einflussreichsten Songwriter der Musikgeschichte, nachdem er die Beatles mitgegründet hatte.

Nach seiner Ankunft in New York im Jahr 1971 öffnete das FBI eine Akte über Lennon und verdächtigte ihn, mit radikaler Politik die Jugend der Nation zu beeinflussen. Das Ausmaß ihrer Überwachung wurde erst in den 1990er Jahren entdeckt.

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Am 10. Oktober 2004 starb der Schauspieler Christopher Reeve im Alter von 52 Jahren nach einem verheerenden Unfall, bei dem er von seinem Pferd geworfen wurde, nachdem er Jahre als Tetraplegiker verbracht hatte.

Superman mag die prallen Muskeln und Kraft gehabt haben, aber Reeve wurde im Vergleich zu einigen anderen ein Hungerlohn für seine Rolle bezahlt, und im Vorspann wird deutlich, dass Marlin Brando und Gene Hackman eine höhere Rechnung erhalten. Reeve verdiente nur 250.000 US-Dollar für Superman: The Movie und für die Hauptrolle in Superman II. Auf der anderen Seite erhielt Brando 14 Millionen US-Dollar für seine 10 Minuten Sendezeit und Gene Hackman 2 Millionen US-Dollar für die Rolle des Lex Luthor.

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Am 11. Oktober 1975 schmetterte Chevy Chase das allererste "Live from New York, it's Saturday Night!" und startete eine der kultigsten TV-Shows der amerikanischen Geschichte.

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Johnny Carson, der Moderator der “The Tonight Show”, fragte NBC, ob es die Ausstrahlung der Wiederholungen der Show am Wochenende einstellen würde, weil er sie für Tage aufsparen wollte, an denen er die Arbeit unter der Woche auslassen wollte. Da NBC am Ende ein leeres Zeitfenster hatte, baten sie Lorne Michaels, einen Produzenten, Komiker, Schauspieler und Autor, eine Idee für eine neue Show zu entwickeln. “Saturday Night Live” startete die Karrieren vieler talentierter Comedians und gewann in seiner Geschichte 36 Emmys.

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Am 12. Oktober 2007 erhielt Al Gore den Nobelpreis für sein Buch „Eine unbequeme Wahrheit“.

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Während seines letzten Jahres in Harvard besuchte Gore eine Klasse des Ozeanographen Roger Revelle, was Gores Interesse an der Umwelt, insbesondere im Bereich der globalen Erwärmung, verstärkte. Während er Mitglied des US-Senats war, veröffentlichte Gore sein erstes Buch über die Umwelt mit dem Titel “Earth in the Balance” und schrieb weitere, darunter “An Inconvenient Truth”. Im Jahr 2007 gewann Gore den Friedensnobelpreis für seine Arbeit, die mit dem Weltklimarat geteilt wurde, für ihre Arbeit zum Klimawandel.

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Am 21. Oktober 1959 wurde in New York City das Guggenheim Museum eröffnet, das eine der größten Sammlungen zeitgenössischer Kunst in der Welt besitzt.

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Frank Lloyd Wright, der gefeierte Architekt, wurde 1943 mit dem Bau des Guggenheim beauftragt. Wright hatte eine Abneigung gegen städtische Umgebungen, so dass der Auftrag, das Museum zu bauen, eine interessante, aber unerwartete Entscheidung erschien. Wright erstellte über 700 Skizzen für die Gestaltung des Guggenheim Museums. Das fertige Gebäude galt mit seiner spiralförmigen Rampe und Muschel mit ineinander öffnenden Räumen selbst als Kunstwerk.

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Am 22. Oktober 1746 erhielt die Princeton University ihre Charta als eine von nur neun Universitäten, die vor der amerikanischen Revolution gegründet wurden.

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Die Princeton University wurde von den New Light Presbyterianern gegründet, um Geistliche auszubilden. Es galt als die religiöse und pädagogische Hauptstadt für diejenigen in Amerika schottischer und irischer Abstammung. Das theologische Seminar wurde 1812 vom Rest des Colleges getrennt. Als die Schule 1746 von New Jersey gegründet wurde, war dies ungewöhnlich, da die Zulassung nicht auf eine religiöse Konfession beschränkt war.

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Am 23. Oktober 2001 kündigte Apple eines seiner neuesten Designs an, einen Musikplayer im Taschenformat, der viele Songs in MP3 und anderen Formaten speichern kann: den iPod.

Und das galt als fantastisch. Nun, ein Apple-Gerät, das nur 5 GB Speicherplatz bot, würde als niedliches kleines Spielzeug angesehen werden. Der aktuelle iPod Touch ermöglicht je nach Upgrade bis zu 256 GB Speicherplatz. Aber zu dieser Zeit war es eine erstaunliche Leistung, 1.000 Songs auf einen tragbaren Player zu laden, der mehr Speicherplatz bot als viele normale Computerfestplatten, insbesondere wenn man bedenkt, wie schnell man eine CD auf den Player laden konnte. Als der iPod eingeführt wurde, ließen andere MP3-Player die Leute fünf Minuten warten, um nur ein C . zu rippen

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Warum ist das Guggenheim Museum ikonisch?

Guggenheim und Rebay fragten Wright viel, und er war bereit für die Aufgabe. Sein Portfolio zeigte, dass er über den Tellerrand hinaus entwerfen konnte, und seine Architekturphilosophie war ebenso zukunftsweisend. Er glaubte, dass ein Gebäude nicht durch &ldquovorgefasste Meinungen oder historische Stile eingeschränkt werden sollte.&rdquo

Wright formulierte seine Vision von dem, was ein Museum enthalten sollte, und es waren Säulen oder viel Beton (obwohl ein wichtiges Material für Wright). Seine Ideen waren abstrakter. &bdquoEin Museum sollte vor allem eine klare Atmosphäre aus Licht und sympathischer Oberfläche haben&bdquo erklärte er 1944 in einem Brief an Rebay. &bdquoEin Museum sollte eine ausgedehnte, weitläufige, von unten nach oben gut proportionierte Grundfläche sein, eine große Ruhe“ und Atem durchdringt den ganzen Ort. Das Ganze wird Sie entweder völlig aus der Bahn werfen oder nur das sein, wovon Sie geträumt haben.&rdquo


Kunstgeschichte

    Metropolitan Museum of Art formt in NYC San Francisco Art Association veranstaltet offenen Empfang im 430 Pine New Yorks Metropolitan Museum of Art wird eröffnet

Veranstaltung von Interesse

1886-02-13 Der Maler Thomas Eakins tritt von der Philadelphia Academy of Art zurück, nachdem er um die Verwendung männlicher Akte in einem Kunststudentenkurs kontrovers diskutiert hatte

    Ausstellung Universelle (Weltausstellung) in Paris schließt nach 50 Millionen Besuchern - Jugendstil dominiert

Veranstaltung von Interesse

1901.01.31 Tschechows „Drei Schwestern“ wird im Moskauer Kunsttheater eröffnet

    Anton Tschechows Theaterstück "Cherry Orchard" wird im Moskauer Kunsttheater eröffnet Bezalel Art School wird in Jerusalem eröffnet 1. Avantgarde-Kunstausstellung in Amerika wird in NYC eröffnet Museum of Modern Art wird im Hecksher Building in New York eröffnet Walt Disney Art School hat die WPA Federal Art Project Gallery eröffnet in Eröffnung der vom Congress Entartete Art Fair gegründeten NYC National Gallery of Art in München

Veranstaltung von Interesse

1961-10-17 NY Museum of Modern Art hängt Henri Matisses "Le Bateau" verkehrt herum auf. Es wurde erst am 3. Dezember korrigiert

    Museum of Modern Art hängt Matisses Le Bateau 47 Tage lang auf den Kopf

Veranstaltung von Interesse

1963-01-07 Die Kluft zwischen dem Cleveland Browns-Besitzer Art Modell und dem Cheftrainer Paul Brown erreicht einen Siedepunkt und Brown wird gefeuert

    1. Weltfestival der schwarzen Kunst (Dakar Senegal) Überschwemmung des Flusses Arno (Florenz, Italien) zerstört unzählige Kunstwerke, tötet 113

Treffen von Interesse

1966-11-09 John Lennon trifft Yoko Ono bei einer Avantgarde-Kunstausstellung in der Indica Gallery in London

Veranstaltung von Interesse

1967-10-11 Yoko Plus Me Kunstausstellung in London eröffnet (das Ich ist John Lennon)

Woodstock Musik- und Kunstmesse

1969-08-15 Woodstock Festival wird in Bethel, New York auf Max Yasgurs Dairy Farm eröffnet. Darsteller sind Richie Havens, Tim Hardin, Ravi Shankar, Melanie, Arlo Guthrie und Joan Baez

    Diebe stehlen 18 Gemälde aus dem Montreal Museum of Fine Arts beim damals größten Kunstdiebstahl in Nordamerika.

Akademie Auszeichnungen

1975-04-08 47. Academy Awards: "The Godfather Part II", Ellen Burstyn & Art Carney gewinnen

    Im Parlament wird Sir Anthony Blunt, Kunstberater der Königin, als 4. Mann im sowjetischen Spionagering entlarvt. Er wurde dann seiner Ritterschaft und des Stipendiums des Trinity College in Cambridge entzogen

Veranstaltung von Interesse

2006-02-07 Uma Thurman wird zum Ritter des Ordre des Arts et des Lettres von Frankreich für herausragende Leistungen auf dem Gebiet der Kunst und Literatur ernannt

    Das Casoria Contemporary Art Museum in Neapel beginnt mit der Verbrennung von Kunstwerken, nachdem das Budget der Kulturinstitutionen gekürzt wurde Mark Rothkos "Orange, Red, Yellow" wird zum teuersten zeitgenössischen Kunstwerk, das für 86,9 Millionen US-Dollar versteigert wird Das Schweizer Kunstmuseum Bern stimmt der Annahme von Kunstwerken zu, die von ihren Juden geplündert wurden Besitzer durch die Nazis

Veranstaltung von Interesse

11.05.2015 Rekordpreis für ein Kunstwerk bei einer Auktion: Picassos Die Frauen von Algier (Version ‚O‘) wird bei Christies in New York für 179,3 Millionen US-Dollar verkauft


Die Geschichte des Vergnügungsparks Knott&aposs Berry Farm

Janey Ellis |

Dieses Jahr markiert das 100-jährige Jubiläum von Knott's Berry Farm und es ist eine perfekte Zeit, um über die einzigartige Geschichte der Farm nachzudenken. Es ist eine unglaubliche Geschichte von harter Arbeit und glücklichen Unfällen, die zu Amerikas erstem Freizeitpark führten.

Im Dezember 1920 fuhr die Familie Knott mit ihrem Ford Model T von Zentralkalifornien nach Buena Park, um mit Walter Knotts Cousin Jim Preston, einem erfahrenen Beerenfarmer, einen Neuanfang zu machen. Gemeinsam pachteten sie Land von William H. Coughran und Walter begann mit dem Anbau von Beeren.

Foto mit freundlicher Genehmigung des Orange County Archives

Trotz eines Frosts, der Walters erste Ernte tötete, blieb er hartnäckig und konnte 1923 einen Straßenstand an der Grand Avenue errichten, um seine Beeren zu verkaufen. Durch harte Arbeit konnte die Familie Knott 1927 ihr Land kaufen und im folgenden Jahr ein Haus bauen, zusammen mit einem permanenten Beerenmarkt, der den einfachen Straßenstand ersetzte. Neben dem Markt gab es eine Gärtnerei, in der Pflanzen verkauft wurden, und sogar eine kleine Teestube, in der Walters Frau Cordelia Sandwiches, Marmeladen und Kuchen aus den Beeren der Farm verkaufte. Sie nannten es Knotts Berry Place.

Foto mit freundlicher Genehmigung des Orange County Archives

Die Weltwirtschaftskrise erfasste 1929 Amerika, was dazu führte, dass die Grundstückspreise sanken, und obwohl die Familie Knott kaum über die Runden kam, verdoppelte Walter sein Geld und kaufte mehr Land, um seine Farm zu erweitern.

Inmitten der Weltwirtschaftskrise machte sich Walter mit seinen Beeren einen Namen, und 1932 hörte ein Mann namens George M. Darrow von einer überlegenen Beere, die angeblich von einem „Mr. Boysen.“ Darrow nahm an, dass Walter diesen Mr. Boysen aufgrund ihres gemeinsamen Interesses an Beeren kennen würde, aber Walter gab zu, dass dies nicht der Fall war, schlug jedoch vor, Boysen im Telefonbuch nachzuschlagen. Dies führte sie zu Rudolph Boysen in Anaheim. Boysen gab zu, mit Beeren experimentiert zu haben, ließ sie aber auf seinem früheren Grundstück zurück. Gemeinsam fanden die drei Männer in einem von Unkraut übersäten und beerenlosen Graben Boysens längst vergessene Beerenpflanze. Boysen sagte, die Pflanze sei eine Kreuzung zwischen einer roten Himbeere, einer Brombeere und einer Loganbeere. Nachdem Walter die Erlaubnis der neuen Besitzer eingeholt hatte, brachte Walter Stecklinge zurück in den Buena Park, um sie zu pflanzen und zu kultivieren. Ein Jahr später hatte Walter eine willkommene Überraschung – riesige Beeren! 1934 hatte Walter genug Stecklinge und Beeren, um die neue Boysenbeere als kommerzielles Produkt einzuführen und Cordelia nahm die neue Beere in ihre Teestube auf. Die Beeren, Marmeladen und Kuchen waren sofort ein Hit! Diese neue Beere hatte keinen Namen und während Walters Freunde sagten, er solle sie nach sich selbst benennen, entschied er sich stattdessen, den Schöpfer der Beere zu ehren und nannte sie die Boysenbeere.

Die Familie Knott kämpfte sich durch die Weltwirtschaftskrise, aber 1934 hatte Cordelia eine Idee, die alles verändern würde. An einem Juniabend bereitete Cordelia ihren Gästen im Tea Room acht Abendessen mit gebratenem Hühnchen zu. Zusammen mit Salat mit Rhabarber, Keksen, Gemüse, Kartoffelpüree mit Soße und Beerenkuchen auf dem Hochzeitsgeschirr der Familie kostete das Abendessen 65 Cent. Walter erinnerte sich, dass der Moment „der Wendepunkt in unserem Wirtschaftsleben“ war. Es war wirklich der Wendepunkt, der einen Bauernhof in einen Freizeitpark verwandeln würde.

Dieses köstliche Brathähnchen sprach sich herum und schon bald strömten die Leute auf die kleine Farm und den Tea Room im Buena Park. Der kleine Speisesaal hatte ursprünglich 20 Plätze, und 1935 wurde er auf 40 erweitert, um ihn im folgenden Jahr erneut auf 70 Plätze erweitern zu müssen.Cordelias kleine Teestube war zu einem vollwertigen Restaurant geworden und als sie auf 350 Plätze erweitert wurden, dachten sie, dass die Leute nicht länger warten müssten, aber sie taten es!

1939 stellte die Tochter von Walter und Cordelia, Virginia, in dem Versuch, den Wartenden etwas zu tun, einen Kartentisch mit kleinen Geschenkartikeln zum Verkauf auf. Mit dem Wachstum des Restaurants wuchs auch Virginias Unternehmen und erhielt ihren eigenen Souvenirladen, der noch heute existiert.

Es war keine Seltenheit, dass hungrige Gäste über drei Stunden auf einen Tisch warteten und bald wurde ein Lautsprecher installiert. Aber abgesehen von Virginias Angeboten, was gab es während der langen Wartezeit zu tun? Walter machte sich daran, einige Ideen zu entwickeln. Er begann mit einigen antiken Spieluhren, dann baute er einen Steingarten mit einem Wasserfall aus Vulkangestein aus dem Death Valley. Er baute eine kleine Szene mit einem historischen Mühlstein und einem Wasserrad mit einem Schild, das die Wartenden aufforderte, „Down by the Old Mill Stream“ zu singen. Daneben fügte er eine Nachbildung von George Washingtons Kamin aus Mount Vernon hinzu. Der Wasserfall, die Mühlsteinszene und der Kamin befinden sich immer noch auf der Farm hinter dem Berry Market. Er fuhr fort, einen kleinen Vulkan zu bauen, um ein Rohr zu verstopfen, das von einem kleinen Teufel, der eine Kurbel drehte, „betrieben“ wurde. Er fügte einen Bienenstock hinzu, versteinertes Holz, fluoreszierende Felsen, die im Schwarzlicht leuchteten – alles, was er unterhaltsam fand, dachte er, dass andere es auch tun würden.

Foto mit freundlicher Genehmigung von Jericl Flickr

Inspiriert von seiner Mutter und ihrer Reise nach Kalifornien in einem Planwagen im Jahr 1868 beschloss Walter, mit seinen Ideen noch größer zu werden. Diesmal würde er eine Geisterstadt bauen, um die nach Geflügel gierigen Gäste zu unterhalten. 1940 wurde mit dem Bau der Main Street begonnen. Walter war auf der Jagd nach allem, was den alten Westen betrifft, kaufte Teile alter Gebäude, Buggys, Werkzeuge und mehr. Er benutzte diese, um einen Saloon, ein Sheriff-Büro, ein Assay-Büro, einen Friseurladen und mehr zu bauen! Das Herzstück war das Gold Trails Hotel, das aus Teilen eines alten Hotels in Arizona gebaut wurde. Das Gold Trails Hotel war überhaupt kein Hotel – stattdessen beherbergte es ein Rundbild eines Planwagens und erzählte die Geschichte der westwärts gerichteten Pioniere. Die Leute, die auf ihre Tische warteten, waren von Walters Geisterstadt so verzaubert, dass die Lautsprecheranlage erweitert werden musste, um sie für ihre Tischreservierung zurückzurufen.

Bevor er sich versah, hatte Walters Geisterstadt ein Eigenleben entwickelt und die Leute kamen nur, um die Geisterstadt zu besuchen. Walter engagierte eine Vielzahl von Schauspielern, um seine Faux-Western-Stadt zu bevölkern und die Gäste zu amüsieren. Mit der kreativen Hilfe des Designers und Malers Paul Von Klieben wurde Ghost Town um farbenfrohe und amüsante Gebäude erweitert. Der Bildhauer Claude Bell half auch dabei, Ghost Town mit Betonstatuen zu bevölkern, darunter Handsome Brady und Whiskey Bill, sowie die charmanten Tänzerinnen Marilyn und Cecelia. Beide Paare wurden zu einem angesagten Foto-Spot für jeden Besucher und sind bis heute eins.

Foto mit freundlicher Genehmigung des Orange County Archives

1947 nannte Walter sein expandierendes Unternehmen Knott’s Berry Farm und im selben Jahr kam Pan for Gold auf den Markt. Noch heute eine beliebte Attraktion, konnten die Gäste wie Bergleute im Jahr 1849 eine Pfanne ergattern, um echtes Gold zu durchsuchen und mit nach Hause zu nehmen. Das Wagon Camp folgte bald und wurde zu einem erstklassigen Ort für kostenlose Unterhaltung von Country- und Western-Entertainern.

Foto mit freundlicher Genehmigung des Orange County Archives

In den 1950er Jahren wurde Ghost Town durch den Calico Saloon, die Ghost Town & Calico Railroad (die letzte in Betrieb befindliche Schmalspurbahn in Amerika) und das Schulhaus massiv erweitert. Während viele Gebäude der Geisterstadt gebaut wurden, war das Schulhaus ein echtes, das 1879 erbaut und von Kansas auf die Farm verlegt wurde. Der Friedhof von Boot Hill wurde ebenso hinzugefügt wie das Bird Cage Theatre, dessen Fassade eine Nachbildung derjenigen in Tombstone, Arizona, ist. Im Jahr 1954 wurde der Bird Cage für Varieté- und Melodram-Aufführungen eröffnet, bei denen Steve Martin und Dean Jones ihren Anfang nahmen. Und bevor das Jahrzehnt vorbei war, wurde der Park um die Haunted Shack erweitert.

Foto mit freundlicher Genehmigung von Jericl Flickr

Als Wendell „Bud“ Hurlbut auf der Farm ankam, ging es richtig los. Hurlbut entwarf und baute Fahrgeschäfte und wurde eingeladen, mit seinem historischen Dentzel-Karussell und später einer kleinen Autofahrt Konzessionär auf der Farm zu werden. Hurlbuts Freundschaft mit Walter Knott wuchs und mit viel Vertrauen und einem Handschlag baute Hurlbut zwei Attraktionen, die die Farm zu neuen Höhen heben sollten, den Calico Mine Ride und den Timber Mountain Log Ride. Hurlbut und ein unglaubliches Team haben die Calico Mine Ride mit wundersamen Höhlen der Schönheit zusammen mit rauen und stürmischen Bergleuten vergangener Tage geschaffen, die im November 1960 eröffnet wurde. Die Fahrt war auch die erste mit einer versteckten Serpentinen-Warteschlange, die wurde zum Standard im Design von Freizeitparks.

Foto mit freundlicher Genehmigung von Jericl Flickr

Als Ghost Town weiter expandierte, ließ Walter nie von seiner Leidenschaft für geschichtliche und bildungsbezogene Attraktionen ab. Er brachte Marion Speers riesiges Western Trails Museum, das Miniaturenmuseum der Familie Mott, ein Boxmuseum in der Scheune des Faustkämpfers Jim Jeffries ein, und bald würde er ein weiteres massives pädagogisches Element hinzufügen, eine exakte Nachbildung der Independence Hall. Hurlbut ging zusammen mit anderen von der Farm nach Philadelphia, um jedes Detail zu fotografieren, zu messen und sich ausgiebig Notizen zu machen. Hurlbut hat sogar das Innere der Liberty Bell rasiert, damit Walter die Glocke bis auf das Material nachbauen konnte. Die Independence Hall wurde am 4. Juli 1966 mit großem Getöse eröffnet und ist bis heute eine Quelle der Inspiration und Bildung.

1967 begann die jüngste Tochter von Walter und Cordelia, Marion, ihrem Vater bei den Operationen der Geisterstadt zu helfen. Seit 1941 konnten Gäste in der Geisterstadt herumlaufen, kostenlos durch die Gegend laufen und nur bezahlen, wenn sie mitfahren oder etwas kaufen wollten. 1968 wurde jedoch beschlossen, den Park einzuschließen und eine Eintrittsgebühr von einem Dollar zu erheben.

Im folgenden Jahr kündigte Marion an, dass Knott’s Berry Farm expandieren würde, aber die Idee einer Geisterstadt hinter sich ließ. Inspiriert von den Tagen des frühen Kaliforniens wurde Knotts neues Themenland Fiesta Village genannt. Während der Planungen für das Fiesta Village wurde am 11. Juli 1969 der Calico Log Ride (jetzt Timber Mountain Log Ride) eröffnet, die erste Holzrutschbahn in den Vereinigten Staaten, mit Cowboy-Star John Wayne als Zeremonienmeister.

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Mit dem Erfolg von Fiesta Village und Calico Log Ride suchte Marion nach einem weiteren Themenbereich, um den Park zu erweitern, und entschied sich für ein Zigeunerthema, das den neuen Bereich Gypsy Camp nannte. Das Gypsy Camp wurde am 28. Mai 1971 eröffnet und die Gäste erkundeten Höhlen, um einen Zauberladen, eine Spielhalle zu finden, ihre Wahrsagerei zu bekommen und Musik von farbenfroh gekleideten Musikern von einer über den Höhlen gebauten Außenbühne zu genießen. Das Outdoor Wagon Camp von Ghost Town erwies sich als zu klein und rustikal, um große Künstler anzuziehen, also fügte Marion das John Wayne Theatre zum Gypsy Camp hinzu. Das neue Theater mit 2.150 Sitzplätzen bot einen wunderbaren Indoor-Veranstaltungsort und war sogar Gastgeber der Filmpremiere von Waynes Film Big Jake am 19. Juni 1971. Im Laufe der Jahre betraten unzählige Entertainer die Bühne und Eisshows nutzten die eingebaute , Eisbahn. Mit größeren Stars, die das neue John Wayne Theatre füllen, wurde das Wagon Camp zur Heimat einer Stuntshow, die die Gäste bis heute begeistert.

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Der Oktober war im Park immer eine langsame Zeit gewesen, und im September 1973 hatten Leute aus Marketing und Unterhaltung eine Idee, die Knotts für immer verändern würde – ein dreitägiges Halloween-Event namens Knotts Halloween Haunt. Mitarbeiter in Monster-Make-up und Kostümen wurden angewiesen, durch die Geisterstadt zu laufen und Gäste zu erschrecken. Die Haunted Shack wurde in das „Monster-Labyrinth“ verwandelt. Der Calico Mine Ride und Log Ride wurden ebenfalls furchtbar behandelt. Ein sofortiger Erfolg, die Veranstaltung kehrte im nächsten Jahr zurück und war jeden Abend ausverkauft. Im dritten Jahr erhielt die Veranstaltung den Spitznamen „Knott’s Scary Farm“. Seitdem wurde Scary Farm, das am längsten laufende Halloween-Event in einem Themenpark, auf den gesamten Park mit 1.000 Monstern und mehreren Labyrinthen erweitert.

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Inmitten des Erfolgs von Scary Farm verlor die Farm ihre Matriarchin, die Frau, die dafür verantwortlich war, eine kleine Beerenfarm in eine Ikone Südkaliforniens zu verwandeln. Am 23. April 1974 verstarb Cordelia im Alter von 84 Jahren.

Zwischen dem Erfolg von Scary Farm und der Trauer um Cordelia geriet das Gypsy Camp ins Wanken. Ende 1974 kündigte Marion an, dass das Gypsy Camp umgestaltet und in ein Gebiet namens Roaring 20’s umgewandelt werden würde. Während die 1920er Jahre zunächst wie eine seltsame Wahl erschienen sein mögen, spiegelten sie Walters Entscheidung wider, eine Geisterstadt des alten Westens zu bauen. Marion beschrieb es: „So wie die Geisterstadt meines Vaters ein Denkmal für seine Eltern war, wollten wir, dass unser neuestes Gebiet ein Denkmal für Mama und Papa ist. Schließlich waren die Goldenen Zwanziger ihre Ära.“

Der Bereich Roaring 20s wurde am 6. Juni 1975 eröffnet. Als Teil der Neugestaltung wurde das John Wayne Theatre in Good Time Theatre umbenannt. Das neue Areal war auch der erste Ausflug der Farm in die Welt der Achterbahnen mit dem Corkscrew, der weltweit ersten modernen 360-Grad-Achterbahn. Einzigartige Attraktionen wie Knotts Bear-y Tales, die Sky Cabin und Wacky Soap Box Racers würden folgen. Bevor die 1970er Jahre vorbei waren, kam mit Montezooma's Revenge eine zweite Achterbahn hinzu, diesmal im Fiesta Village.

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1981, nach 61 Jahren vollständiger Familienkontrolle, stellte die Familie Knott Terry Van Gorder ein, das erste Nicht-Familienmitglied zum Präsidenten und CEO, Marion und andere Mitglieder der Familie Knott blieben jedoch beteiligt. Bis Ende des Jahres hat die Farm ihre Coupon-Buch-Fahrkarten für eine All-Inclusive-Fahrt- und Eintrittskarte aufgegeben. Ein weiterer Meilenstein des Jahres war der 3. Dezember, als Walter nur eine Woche vor seinem 92. Geburtstag verstarb.

Die 80er Jahre würden eine weitere große Ergänzung der Farm, Snoopy und der Peanuts Gang sehen. Ihre Ankunft im Park kann jedoch bis ins Jahr 1960 zurückverfolgt werden, als der Illustrator Pete Winters damit beauftragt wurde, eine Charakterikone für Knotts zu entwickeln. Das Ergebnis war ein glücklicher alter Goldsucher mit einem weißen Bart, der einfach "The Old Timer" genannt wurde und auf verschiedenen Mitarbeiterpapieren, Fahrkartenbüchern, Parkbeschilderungen und mehr auftauchte. 1973 beschloss die Farm, „The Old Timer“ in einen Walk-Around-Charakter zu verwandeln und nannte ihn Whittles. Ungeschickt proportioniert, passte Whittles einfach besser zur Seite und nicht als realer Charakter. "Es hat nicht geklappt ... Er hat den Kindern Angst gemacht", bemerkte Russell Knott. Dieser Fehltritt beendete nicht den Wunsch der Farm nach einer Ikone und einem begehbaren Charakter und sie beschlossen, dass sie vielleicht versuchen sollten, sich eine bereits etablierte, bekannte, familienfreundliche Ikone zu sichern.

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Ron Mizaker wurde beauftragt, die neue Ikone zu finden und zu sichern, und da die Charaktere aus Charles M. Schulz' Comic Peanuts bereits Sponsorenarbeit leisteten, wusste Mizaker, dass es eine Möglichkeit für sie gab, der Farm beizutreten. Mizaker traf sich mit Schulz in Santa Rosa, und mitten in ihrem Treffen sagte Schulz, er müsse zur Eislaufprobe seiner Tochter auf der Eisbahn, die der Familie Schulz gehörte, die sich gleich auf der anderen Straßenseite befand. Schulz lud Mizaker ein, sich ihm anzuschließen. Während der Probe informierte Mizaker Schulz über die Eisbahn auf der Bühne des Good Time Theatre und sagte: „Wäre es nicht toll, wenn wir mit Snoopy eine Eisshow machen würden?“ Schulz gefiel die Idee und fragte: „Könnte meine Tochter Snoopy sein?“ Mizaker sagte, sie könnten das herausfinden und das wurde die Grundlage für den Deal, dass die Peanuts-Gang der Farm beitritt. Bald kamen Snoopy und seine Begleiter, um Gäste zu treffen, und 1983 beschloss Knott's, den Peanuts einen eigenen Bereich auf der Farm zu geben und Knott's erneut zu erweitern, um Camp Snoopy zu schaffen.

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Im Laufe der 80er Jahre kamen zwei neue Attraktionen hinzu. Die Familie Bear-y Tales verließ das Gebiet der Roaring 20's und wurde 1987 im Königreich der Dinosaurier durch prähistorische Kreaturen ersetzt. Im folgenden Jahr brachten Geschichten über eine haarige Kreatur die Menschen dazu, Bigfoot Rapids zu erkunden und durchnässt zu werden.

Der Nervenkitzel, das Mysterium und der Spaß dauerten bis in die 90er Jahre. Die Boomerang-Achterbahn ersetzte den Corkscrew, den einzigartigen, die faszinierende Mystery Lodge kam und Jaguar brauste ins Fiesta Village. Die Roaring 20s wurden überarbeitet und in Boardwalk umbenannt, eine Hommage an die Sonne, den Sand und das Meer der Strände Südkaliforniens. In einer weiteren neuen Achterbahn, Windjammer, die 1997 die Wacky Soap Box Racers ersetzte, traten die Gäste gegeneinander an Kinder und Enkel verkauften Knott's Berry Farm an Cedar Fair.

Doch noch vor der Jahrtausendwende wurden der wachsenden Skyline der Farm weitere aufregende Attraktionen hinzugefügt, mit den Achterbahnen Supreme Scream, GhostRider und Pony Express, der ersten „Fahrradachterbahn“ in den Vereinigten Staaten.

Im Jahr 2000 wurde das Good Time Theatre zu Ehren des Schöpfers der beliebten Peanuts in Charles M. Schulz Theatre umbenannt und zeigt weiterhin unglaublich lustige Shows, oft mit Mitgliedern der Peanuts-Gang.

Achterbahnen hielten weiterhin Einzug in die Farm, wobei Windjammer durch Xcelerator und die Ergänzungen von Silver Bullet und Sierra Sidewinder ersetzt wurde. Aber alte Favoriten wurden nicht vergessen. Im Jahr 2013 wurde der Log Ride von Ghost Town renoviert und mit neuen animatronischen Charakteren wiedereröffnet. Der Calico Mine Ride folgte 2014 diesem Beispiel und Camp Snoopy erhielt viele neue, familienfreundliche Zugänge.

Der seit 2004 leer stehende Raum, der einst Knotts Bear-y Tales und Kingdom of the Dinosaurs beherbergte, begrüßte 2015 eine neue interaktive Attraktion, Voyage to the Iron Reef. Im folgenden Jahr kam eine weitere unglaublich einzigartige und interaktive Ergänzung auf der Farm, Ghost Stadt lebendig! Ursprünglich sollte die von Charakteren geprägte Geschichte und ihre vielen Schauspieler einen Sommer dauern, um das 75-jährige Jubiläum von Ghost Town zu feiern, aber was daraus resultierte, ist eine wundervolle, jährliche Tradition. Zum ersten Mal seit ihrer Erbauung konnten Sie die charmanten Einblicke betreten, die Walter entwickelt hat, um die Wartenden in Mrs. Knott's Chicken Dinner Restaurant zu unterhalten und an Ihrer eigenen Wild-West-Geschichte mit den verschiedenen Bürgern von teilzuhaben Geisterstadt. Geisterstadt lebt! ist jeden Sommer zurückgekehrt und verzaubert weiterhin große und kleine Gäste und wird selbst zu einer reizvollen Attraktion.

In jüngerer Zeit kam mit Sol Spin und Hang Time, dem ersten Dive Coaster in Kalifornien, neuer Nervenkitzel. Ghost Town erhielt auch weiterhin Updates und Überarbeitungen, als Big Foot Rapids in Calico River Rapids umgewandelt wurde und seine Handlung mit dem Rest von Ghost Town verband. Und diesen Sommer kehrt die Bear-y Family mit Knott’s Bear-y Tales: Return to the Fair auf die Farm zurück.

Es ist erstaunlich, dass sich innerhalb von hundert Jahren eine kleine, gepachtete Beerenfarm in einen der beliebtesten Freizeitparks der Vereinigten Staaten verwandelt hat, Auszeichnungen erhalten und die Herzen aller erobert hat. Aufgrund seines Alters hat Knott's Berry Farm ein wunderbares Generationengefühl, auf dem die Menschen spazieren gehen und die gleichen Sehenswürdigkeiten genießen können, die ihre Eltern und sogar Großeltern genossen haben, und gleichzeitig immer wieder neue und aufregende Dinge erleben. Da ist sicher für jeden etwas dabei und wer weiß, was die nächsten 100 Jahre auf Knott’s Berry Farm auf sich warten lässt? Alles Gute zum Jubiläum, Knotts!

Um mehr über die unglaubliche Geschichte von Knott's Berry Farm zu erfahren, lesen Sie unbedingt Knott's Preserved!

Knotts Jubiläumsbotschafter

Janey Ellis ist die Autorin des Blogs Atomic Redhead. Dort teilt sie interessante Geschichte, Orte, die es in Südkalifornien und darüber hinaus zu erkunden gilt, sowie ihre Sicht auf Vintage-Mode und Zuhause. Sie ist sehr dankbar, dass sie auch die wunderbare Gelegenheit hat, ihre Leidenschaft für Vergnügungsparks und Geschichte auf dem Knott's Berry Blog zu teilen.


Heute in der Geschichte: Geboren am 21. Oktober

Katsushika Hokusai, japanischer Grafiker.

Samuel Taylor Coleridge, englischer Dichter ("The Rime of the Ancient Mariner", "Kubla Khan").

Alfred Nobel, Erfinder des Dynamits und Gründer der Nobelpreise.

Dizzy Gillespie, Jazztrompeter.

Ursula K. Le Guin, Science-Fiction-Autorin (Die linke Hand der Dunkelheit)

Carl Brewer, kanadischer Hockeyspieler, gewann drei Stanley Cups (1962-64) als Mitglied der Toronto Maple Leafs.

Ronald McNair, Astronaut starb beim Space Shuttle Herausforderer explodierte kurz nach dem Start am 2. Januar 1986.

Patti Davis, Schauspielerin, Autorin, Tochter des ehemaligen US-Präs. Ronald Reagan.

Carrie Fisher, Schauspielerin, Autorin, Drehbuchautorin, am besten bekannt als Prince Leia im Original Krieg der Sterne Trilogie und die Bestseller-Roman-Postkarten von der Edge-Tochter des Sängers Eddie Fisher und der Schauspielerin Debbie Reynolds.

Prinz Salman bin Hamad bin Isa Al Khalifa, Kronprinz von Bahrain derzeit (2013) Erster stellvertretender Premierminister und stellvertretender Oberster Befehlshaber, er ist der Thronfolger des Königreichs Bahrain.


Inhalt

Frühe Jahre und Hilla Rebay Bearbeiten

Solomon R. Guggenheim, Mitglied einer wohlhabenden Bergmannsfamilie, sammelte seit den 1890er Jahren Werke der alten Meister. 1926 lernte er die Künstlerin Hilla von Rebay [7] kennen, die ihn in die europäische Avantgarde einführte, insbesondere in die abstrakte Kunst, die ihrer Meinung nach einen spirituellen und utopischen Aspekt hatte (nicht-gegenständliche Kunst). [7] Guggenheim änderte seine Sammelstrategie komplett und wandte sich unter anderem dem Werk von Wassily Kandinsky zu. Er begann, seine Sammlung in seiner Wohnung im Plaza Hotel in New York City der Öffentlichkeit auszustellen. [7] [8] Als die Sammlung wuchs, gründete er 1937 die Solomon R. Guggenheim Foundation, um die Wertschätzung moderner Kunst zu fördern. [8]

Das Museum für gegenstandslose Malerei Bearbeiten

Der erste Ausstellungsort der Stiftung für Kunst, das "Museum of Non-Objective Painting", wurde 1939 unter der Leitung von Rebay in Midtown Manhattan eröffnet. [9] Unter der Leitung von Rebay versuchte Guggenheim, die wichtigsten zu dieser Zeit verfügbaren Beispiele gegenstandsloser Kunst von frühen Modernisten wie Rudolf Bauer, Rebay, Kandinsky, Piet Mondrian, Marc Chagall, Robert Delaunay, Fernand Léger . in die Sammlung aufzunehmen , Amedeo Modigliani und Pablo Picasso. [7] [8] [10]

Zu Beginn der 1940er Jahre hatte die Stiftung eine so große Sammlung avantgardistischer Gemälde angehäuft, dass die Notwendigkeit eines dauerhaften Museumsgebäudes offensichtlich wurde.[11] 1943 schrieben Rebay und Guggenheim einen Brief an Frank Lloyd Wright und baten ihn, eine Struktur für die Unterbringung und Ausstellung der Sammlung zu entwerfen. [12] Wright nahm die Gelegenheit wahr, mit seinem organischen Stil in einer urbanen Umgebung zu experimentieren. Er brauchte 15 Jahre, 700 Skizzen und sechs Arbeitszeichnungen, um das Museum zu schaffen. [13]

1948 wurde die Sammlung durch den Ankauf des Nachlasses des Kunsthändlers Karl Nierendorf von rund 730 Objekten, insbesondere Gemälden des deutschen Expressionismus, stark erweitert. [10] Die Sammlung der Stiftung umfasste zu dieser Zeit ein breites Spektrum expressionistischer und surrealistischer Werke, darunter Gemälde von Paul Klee, Oskar Kokoschka und Joan Miró. [10] [14] Nach Guggenheims Tod im Jahr 1949 hatten Mitglieder der Familie Guggenheim, die im Vorstand der Stiftung saßen, persönliche und philosophische Differenzen mit Rebay, und 1952 trat sie als Direktorin des Museums zurück. [15] Dennoch hinterließ sie der Stiftung testamentarisch einen Teil ihrer persönlichen Sammlung, darunter Werke von Kandinsky, Klee, Alexander Calder, Albert Gleizes, Mondrian und Kurt Schwitters. [14] Das Museum wurde 1952 in Solomon R. Guggenheim Museum umbenannt. [15]

Design bearbeiten

Rebay betrachtete den Raum als "Tempel des Geistes", der eine neue Sichtweise auf die modernen Stücke der Kollektion ermöglichen würde. Sie schrieb an Wright, dass "jedes dieser großen Meisterwerke im Weltraum organisiert werden sollte, und nur Sie würden die Möglichkeiten dafür testen. Ich möchte einen Tempel des Geistes, ein Denkmal!" [16] [17] Der Kritiker Paul Goldberger schrieb später, dass es vor Wrights modernistischem Gebäude "nur zwei gängige Modelle für die Museumsgestaltung gab: Beaux-Arts-Palast und den International Style Pavilion". [18] Goldberger hielt das Gebäude für einen Katalysator des Wandels, der es "für einen Architekten gesellschaftlich und kulturell akzeptabel machte, ein ausdrucksstarkes, sehr persönliches Museum zu entwerfen. In diesem Sinne ist fast jedes Museum unserer Zeit ein Kind des Guggenheim." [18]

Von 1943 bis Anfang 1944 fertigte Wright vier verschiedene Skizzen für den ersten Entwurf an. Während einer der Pläne (Schema C) eine sechseckige Form und ebene Böden für die Galerien hatte, hatten alle anderen kreisrunde Pläne und verwendeten eine Rampe, die sich um das Gebäude herum fortsetzte. Er hatte 1948 im V. C. Morris Gift Shop in San Francisco mit dem Rampendesign experimentiert und an dem Haus, das er 1952 für seinen Sohn fertigstellte, dem David and Gladys Wright House in Arizona. [19] Wrights ursprüngliches Konzept wurde als umgekehrte "Zikkurat" bezeichnet, weil es den steilen Stufen auf den Zikkuraten ähnelte, die im alten Mesopotamien gebaut wurden. [20] Sein Entwurf verzichtet auf die konventionelle Herangehensweise an die Museumsgestaltung, bei der Besucher durch eine Reihe miteinander verbundener Räume geführt werden und beim Verlassen gezwungen werden, ihre Schritte zurückzuverfolgen. [21] Wrights Plan war es, dass die Museumsgäste mit dem Aufzug auf die Spitze des Gebäudes fahren, gemächlich über die sanfte Steigung der durchgehenden Rampe hinabfahren und das Atrium des Gebäudes als letztes Kunstwerk betrachten . Die offene Rotunde bot dem Betrachter die einzigartige Möglichkeit, mehrere Arbeitsbereiche auf verschiedenen Ebenen gleichzeitig zu sehen und sogar mit Gästen auf anderen Ebenen zu interagieren. [22]

Zur gleichen Zeit, bevor Wright, Rebay und Guggenheim sich auf dem Gelände des Museums an der Ecke 89th Street und dem Museumsmeile-Abschnitt der Fifth Avenue mit Blick auf den Central Park niederließen, betrachteten Wright, Rebay und Guggenheim zahlreiche Orte in Manhattan sowie im Riverdale-Abschnitt der Bronx mit Blick auf den Hudson River. [23] Guggenheim war der Meinung, dass die Nähe des Standorts zum Central Park wichtig war. Der Park bot Erleichterung von Lärm, Staus und Beton der Stadt. [20] Auch die Natur hat das Museum inspiriert. [23] Das Gebäude verkörpert Wrights Versuche, „die inhärente Plastizität organischer Formen in der Architektur wiederzugeben“. [21] Das Guggenheim sollte das einzige von Wright entworfene Museum sein. Die Lage in der Stadt erforderte von Wright, das Gebäude eher in vertikaler als in horizontaler Form zu entwerfen, was sich stark von seinen früheren, ländlichen Arbeiten unterscheidet. [20] [24]

Das spiralförmige Design erinnerte an eine Nautilusmuschel, mit durchgehenden Räumen, die frei ineinander fließen. [25] Auch wenn es die Natur umarmte, drückt Wrights Design auch seine Sicht auf die starre Geometrie der modernistischen Architektur aus. [25] Wright schrieb den Formen des Gebäudes eine symbolische Bedeutung zu. Er erklärte: "Diese geometrischen Formen suggerieren bestimmte menschliche Ideen, Stimmungen, Empfindungen – wie zum Beispiel: der Kreis, die Unendlichkeit das Dreieck, die strukturelle Einheit die Spirale, der organische Fortschritt das Quadrat, die Integrität." [26] Formen hallen durchgängig wider: Ovale Säulen zum Beispiel wiederholen die Geometrie des Brunnens. Zirkularität ist das Leitmotiv, von der Rotunde bis zur Intarsiengestaltung der Terrazzoböden. [23] Mehrere Architekturprofessoren haben spekuliert, dass die von Giuseppe Momo 1932 entworfene Doppelwendeltreppe in den Vatikanischen Museen eine Inspiration für Wrights Rampe und das Atrium war. [27] [28] [29] Jaroslav Josef Polívka unterstützte Wright bei der Tragwerksplanung und schaffte es, die Galerierampe ohne Randstützen zu entwerfen. [30]

Die Oberfläche des Guggenheims wurde aus Beton hergestellt, um die Kosten zu senken, was der von Wright gewünschten Steinoberfläche unterlegen war. [31] Wright schlug ein rot gefärbtes Äußeres vor, das jedoch nie realisiert wurde. [32] Die kleine Rotunde (oder "Monitorgebäude", wie Wright es nannte) neben der großen Rotunde sollte Wohnungen für Rebay und Guggenheim beherbergen, wurde aber stattdessen zu Büros und Lagerräumen. [33] Im Jahr 1965 wurde das zweite Obergeschoss des Monitorgebäudes renoviert, um die wachsende Dauerausstellung des Museums zu zeigen, und mit der Restaurierung des Museums 1990-92 wurde es vollständig in Ausstellungsräume umgewandelt und auf den Namen Thannhauser Gebäude, in Ehrung eines der bedeutendsten Vermächtnisse des Museums. [34] Wrights ursprünglicher Plan für einen angrenzenden Turm, Künstlerateliers und Wohnungen wurde vor allem aus finanziellen Gründen bis zur Renovierung und Erweiterung nicht realisiert. [22] [35] Auch in der ursprünglichen Konstruktion war das Oberlicht der Hauptgalerie abgedeckt, was Wrights sorgfältig artikulierte Lichteffekte beeinträchtigte. Dies änderte sich 1992, als das Dachfenster in seinem ursprünglichen Design wiederhergestellt wurde. [31]

Sweeney Jahre und Bauabschluss Bearbeiten

1953 wurden die Sammelkriterien der Stiftung unter ihrem neuen Direktor James Johnson Sweeney erweitert. Sweeney lehnte Rebays Entlassung "objektiver" Malerei und Skulptur ab und erwarb bald Constantin Brâncușis Adam und Eva (1921), gefolgt von Werken anderer modernistischer Bildhauer, darunter Joseph Csaky, Jean Arp, Calder, Alberto Giacometti und David Smith. [10] Sweeney reichte über das 20. Jahrhundert hinaus, um Paul Cézannes Mann mit verschränkten Armen (um 1899). [10] Im selben Jahr erhielt die Stiftung auch eine Schenkung von 28 bedeutenden Werken aus dem Nachlass von Katherine S. Dreier, einer Gründerin der ersten Sammlung Amerikas, die als Museum für moderne Kunst bezeichnet wurde, der Société Anonyme. Dreier war ein Kollege von Rebay gewesen. Die Werke enthalten Kleines französisches Mädchen (1914–18) von Brâncuși, ein Stillleben ohne Titel (1916) von Juan Gris, eine Bronzeskulptur (1919) von Alexander Archipenko und drei Collagen (1919–21) des deutschen Hannoveraner Dadaisten Schwitters. Es umfasste auch Werke von Calder, Marcel Duchamp, El Lissitzky und Mondrian. [14] Sweeney erwarb unter anderem auch Werke von Alberto Giacometti, David Hayes, Willem de Kooning und Jackson Pollock. [36]

Sweeney beaufsichtigte die letzten halben Dutzend Jahre des Baus des Museumsgebäudes, während dieser Zeit hatte er eine antagonistische Beziehung zu Frank Lloyd Wright, insbesondere in Bezug auf die Beleuchtung des Gebäudes. [37] [38] Das markante zylindrische Gebäude erwies sich als Wrights letztes Hauptwerk, da der Architekt sechs Monate vor seiner Eröffnung starb. [39] Von der Straße aus sieht das Gebäude aus wie ein weißes Band, das zu einem zylindrischen Stapel zusammengerollt ist, oben breiter als unten und zeigt fast alle gewölbten Oberflächen. Sein Aussehen steht in scharfem Kontrast zu den typisch rechteckigen Manhattan-Gebäuden, die es umgeben, eine Tatsache, die von Wright geschätzt wurde, der behauptete, sein Museum würde das nahe gelegene Metropolitan Museum of Art "wie eine protestantische Scheune" aussehen lassen. [39] Im Inneren bildet die Aussichtsgalerie eine schraubenförmige spiralförmige Rampe, die sanft vom Boden zum Oberlicht ansteigt. [39]

Kritik und Eröffnung des Gebäudes Bearbeiten

Schon vor der Eröffnung polarisierte das Design Architekturkritiker. [39] [40] Einige glaubten, dass das Gebäude die Kunstwerke des Museums überschatten würde. [41] [42] „Im Gegenteil“, schrieb der Architekt, der Entwurf mache „das Gebäude und das Gemälde zu einer ununterbrochenen, schönen Symphonie, wie es sie in der Welt der Kunst noch nie gegeben hat“. [41] Andere Kritiker und viele Künstler hielten es für umständlich, Gemälde in den flachen, fensterlosen, konkaven Ausstellungsnischen, die die zentrale Spirale umgeben, richtig aufzuhängen. [39] Vor der Eröffnung des Museums unterzeichneten einundzwanzig Künstler einen Brief, in dem sie gegen die Ausstellung ihrer Werke in einem solchen Raum protestierten. [39] Der Historiker Lewis Mumford fasste die Schmach zusammen:

Wright hat den ausgestellten Gemälden und Skulpturen nur so viel Raum eingeräumt, wie seine abstrakte Komposition nicht verletzen würde. . [Er] schuf eine Hülle, deren Form keinen Bezug zu ihrer Funktion hat und keine Möglichkeit bot, sich in Zukunft von seinen starren Vorurteilen zu lösen. [Die Promenade] hat für ein Museum eine niedrige Decke – 295 cm (9 Fuß 8 Zoll) [begrenzte Gemäldegröße. Die Wand] war nach außen geneigt, der Außenneigung der Außenwand folgend, und Gemälde sollten nicht vertikal aufgehängt oder in ihrer wahren Ebene gezeigt, sondern gegen sie zurückgekippt werden. . Auch [kann sich ein Besucher] nicht dem Licht entziehen, das ihm aus den schmalen Schlitzen in der Wand in die Augen scheint. [43]

Am 21. Oktober 1959, zehn Jahre nach dem Tod von Solomon Guggenheim und sechs Monate nach dem Tod von Frank Lloyd Wright, öffnete das Museum erstmals seine Türen für große Menschenmengen. [44] [11] Das Gebäude wurde weithin gelobt [45] [46] [47] und inspirierte viele andere Architekten. [20]

Messer Jahre Bearbeiten

Thomas M. Messer trat 1961 die Nachfolge von Sweeney als Direktor des Museums (aber nicht der Stiftung) an und blieb 27 Jahre lang, die längste Amtszeit aller Direktoren der großen Kunstinstitutionen der Stadt. [48] ​​Als Messer übernahm, war die Fähigkeit des Museums, Kunst überhaupt zu präsentieren, noch zweifelhaft, da die durchgängige spiralförmige Rampengalerie sowohl geneigt als auch nicht vertikal gebogene Wände darstellte. [49] In den flachen, fensterlosen Ausstellungsnischen, die die zentrale Spirale umgeben, ist es schwierig, Gemälde richtig aufzuhängen: Leinwände müssen erhaben von der Wandoberfläche montiert werden. Schräg nach hinten aufgehängte Gemälde würden "wie auf der Staffelei des Künstlers" erscheinen. In den Nischen ist der Platz für Skulpturen begrenzt. [39]

Fast sofort, 1962, wagte Messer das Risiko einer großen Ausstellung, in der die Gemälde des Guggenheims mit Skulpturen aus der Sammlung Hirshhorn kombiniert wurden. [49] Insbesondere die dreidimensionale Skulptur warf "das Problem auf, eine solche Ausstellung in einem Museum zu installieren, das der kreisförmigen Geographie der Hölle so ähnlich ist", wo jedes vertikale Objekt in einem "betrunkenen Schluck" gekippt erscheint, weil die Die Neigung des Bodens und die Krümmung der Wände könnten sich zu ärgerlichen optischen Täuschungen verbinden. [50] Es stellte sich heraus, dass die Kombination im Guggenheim-Raum gut funktionieren könnte, aber Messer erinnerte sich damals daran: "Ich hatte Angst. Ich hatte das Gefühl, dass dies meine letzte Ausstellung sein würde." [49] Messer hatte sich vorausschauend vorbereitet, indem er im Vorjahr eine kleinere Skulpturenausstellung inszenierte, in der er entdeckte, wie er die seltsame Geometrie des Raumes durch spezielle Sockel in einem bestimmten Winkel kompensieren konnte, sodass die Stücke noch nicht in einer echten Vertikalen standen schien so zu sein. [50] In der früheren Skulpturenausstellung erwies sich dieser Trick für ein Stück als unmöglich, ein Alexander Calder-Mobile, dessen Draht unweigerlich in einer wahren Senkrechtrichtung hing, was im desorientierenden Kontext des schrägen Bodens "halluzination suggeriert". [50]

Im nächsten Jahr erwarb Messer eine Privatsammlung des Kunsthändlers Justin K. Thannhauser für die Dauerausstellung des Museums. [51] Diese 73 Werke umfassen impressionistische, postimpressionistische und französische Meisterwerke der Moderne, darunter bedeutende Werke von Paul Gauguin, Édouard Manet, Camille Pissarro, Vincent van Gogh und 32 Werke von Pablo Picasso. [14] [52] "Works and Process" ist eine Reihe von Aufführungen im Guggenheim, die 1984 begonnen wurde. [53] Die erste Saison bestand aus Philip Glass mit Christopher Keene am Echnaton und Steve Reich und Michael Tilson Thomas auf Die Wüstenmusik.

Krens und Erweiterung Bearbeiten

Thomas Krens, Direktor der Stiftung von 1988 bis 2008, leitete einen rasanten Ausbau der Sammlungen des Museums. [54] 1991 erweiterte er den Bestand durch den Erwerb der Sammlung Panza. Die von Graf Giuseppe di Biumo und seiner Frau Giovanna zusammengestellte Panza Collection umfasst Beispiele minimalistischer Skulpturen von Carl Andre, Dan Flavin und Donald Judd, minimalistische Gemälde von Robert Mangold, Brice Marden und Robert Ryman sowie eine Reihe postminimaler , Konzept- und Wahrnehmungskunst von Robert Morris, Richard Serra, James Turrell, Lawrence Weiner und anderen, insbesondere amerikanische Beispiele der 1960er und 1970er Jahre. [14] [55] 1992 schenkte die Robert Mapplethorpe Foundation der Stiftung 200 seiner besten Fotografien. Die Arbeiten umfassten sein gesamtes Schaffen, von seinen frühen Collagen, Polaroids, Porträts von Prominenten, Selbstporträts, männlichen und weiblichen Akten, Blumen und Statuen. Es zeigte auch Mixed-Media-Konstruktionen und enthielt seinen bekannten 1998 Selbstporträt. Die Akquisition leitete das Fotoausstellungsprogramm der Stiftung ein. [14]

Ebenfalls im Jahr 1992 wurden die Ausstellungs- und anderen Räume des New Yorker Museumsgebäudes durch einen angrenzenden rechteckigen Turm, der hinter der ursprünglichen Spirale steht und höher steht, und eine Renovierung des ursprünglichen Gebäudes erweitert. [35] Der neue Turm wurde vom Architekturbüro Gwathmey Siegel & Associates Architects [56] entworfen, das Wrights ursprüngliche Skizzen analysierte, als sie den 10-stöckigen Kalksteinturm entwarfen, der eine viel kleinere Struktur ersetzte. Es verfügt über vier zusätzliche Ausstellungsräume mit flachen Wänden, die "eher für die Ausstellung von Kunst geeignet sind". [22] [35] Beim ursprünglichen Bau des Gebäudes war das Oberlicht der Hauptgalerie abgedeckt, was Wrights sorgfältig artikulierte Lichteffekte beeinträchtigte. Dies änderte sich 1992, als das Dachfenster in seinem ursprünglichen Design wiederhergestellt wurde. [31]

Um diese Schritte zu finanzieren, verkaufte die Stiftung kontrovers Werke von Kandinsky, Chagall und Modigliani, um 47 Millionen Dollar zu sammeln, was erhebliche Kritik an Handelsmeistern für "trendige" Nachzügler auf sich zog. In Die New York Times, schrieb Kritiker Michael Kimmelman, dass die Verkäufe "die akzeptierten Regeln der Deakzession weiter ausgedehnt haben, als viele amerikanische Institutionen bereit waren zu tun." [31] [57] Krens verteidigte die Aktion als im Einklang mit den Grundsätzen des Museums, einschließlich der Erweiterung seiner internationalen Sammlung und des Aufbaus seiner "Nachkriegssammlung auf die Stärke unserer Vorkriegsbestände" [55] und wies darauf hin, dass solche Verkäufe regelmäßig sind Praxis durch Museen. [57] Gleichzeitig baute er die internationale Präsenz der Stiftung durch die Eröffnung von Museen im Ausland aus. [58] Krens wurde auch für seinen geschäftsmäßigen Stil und den wahrgenommenen Populismus und die Kommerzialisierung kritisiert. [59] [60] Ein Autor kommentierte: „Krens wurde sowohl gelobt als auch verunglimpft, weil er aus einer einst kleinen New Yorker Institution eine weltweite Marke gemacht und die erste wirklich multinationale Kunstinstitution geschaffen hat. . Krens verwandelte das Guggenheim in eine der bekannteste Marke in der Kunst." [61]

Unter Krens veranstaltete das Museum einige seiner beliebtesten Ausstellungen: „Afrika: Die Kunst eines Kontinents“ 1996 „China: 5.000 Jahre“ 1998, „Brasilien: Körper & Seele“ 2001 und „Das Reich der Azteken“ 2004 [62] Gelegentlich wurden ungewöhnliche Ausstellungen gezeigt, zum Beispiel kommerzielle Kunstinstallationen von Motorrädern. Das neue Kriteriums Hilton Kramer verurteilte "The Art of the Motorcycle" [59] [63] Eine Retrospektive von Frank Lloyd Wright aus dem Jahr 2009 zeigte den Architekten zum 50 Aufzeichnungen im Jahr 1992. [64]

2001 eröffnete das Museum das Sackler Center for Arts Education. Die 8.200 Quadratfuß (760 m 2 ) große Einrichtung bietet Kurse und Vorträge über die bildenden und darstellenden Künste und Möglichkeiten zur Interaktion mit den Sammlungen und Sonderausstellungen des Museums durch seine Labore, Ausstellungsräume, Konferenzräume und das Peter B. Lewis Theater mit 266 Plätzen. [65] [66] Es befindet sich auf der unteren Ebene des Museums, unterhalb des großen Rundbaus und war ein Geschenk der Familie Mortimer D. Sackler. [67] Ebenfalls 2001 erhielt die Stiftung eine Schenkung aus der umfangreichen Sammlung der Bohen-Stiftung, die zwei Jahrzehnte lang neue Kunstwerke mit den Schwerpunkten Film, Video, Fotografie und Neue Medien in Auftrag gab. Künstler der Sammlung sind Pierre Huyghe und Sophie Calle. [7]

Außenrestaurierung Bearbeiten

Zwischen September 2005 und Juli 2008 wurde das Guggenheim Museum einer umfangreichen Außenrestaurierung unterzogen, um Risse zu reparieren und [68] Systeme und Außendetails zu modernisieren. [69] In der ersten Phase des Projekts erstellte ein Team von Restaurationsarchitekten, Statikern und Restauratoren gemeinsam eine umfassende Bestandsaufnahme des Gebäudes, die die Bausubstanz als grundsolide beurteilte. Diese anfängliche Zustandsbewertung umfasste:

  • das Entfernen von Farbe von der ursprünglichen Oberfläche, wobei Hunderte von Rissen sichtbar werden, die im Laufe der Jahre hauptsächlich durch jahreszeitliche Temperaturschwankungen verursacht wurden [68]
  • detaillierte Überwachung der Bewegung ausgewählter Risse über 17 Monate
  • Impact-Echo-Technologie, bei der Schallwellen in den Beton eingestrahlt und der Rückprall gemessen wird, um Hohlräume in den Wänden zu lokalisieren
  • Laservermessungen der Außen- und Innenflächen, vermutlich das größte jemals erstellte Lasermodell
  • Kernbohrungen zur Entnahme von Proben des ursprünglichen Betons und anderer Baustoffe und
  • Prüfung möglicher Reparaturmaterialien. [70]

Ein Großteil des Inneren des Gebäudes wurde während der Renovierung und Ergänzung im Jahr 1992 von Gwathmey Siegel and Associates Architects restauriert. Die Restaurierung 2005–2008 befasste sich hauptsächlich mit dem Äußeren des ursprünglichen Gebäudes und der Infrastruktur. Dazu gehörten die Oberlichter, Fenster, Türen, Beton- und Spritzgussfassaden und der äußere Gehweg sowie die Klimatisierung.Ziel war es, möglichst viel bedeutende historische Substanz des Museums zu erhalten, notwendige Reparaturen durchzuführen und ein geeignetes Umfeld für die weitere Nutzung des Gebäudes als Museum zu schaffen. [71]

Am 22. September 2008 feierte das Guggenheim den Abschluss eines dreijährigen Restaurierungsprojekts. New Yorks Bürgermeister Michael Bloomberg amtierte bei der Feier, die mit der Premiere der Hommage an die Künstlerin Jenny Holzer gipfelte Für das Guggenheim, [72] ein Werk, das zu Ehren von Peter B. Lewis in Auftrag gegeben wurde, der ein wichtiger Wohltäter im Restaurierungsprojekt des Museums war. Andere Unterstützer der Restaurierung im Wert von 29 Millionen US-Dollar waren der Stiftungsrat der Solomon R. Guggenheim Foundation und das Kulturministerium der Stadt. Zusätzliche Unterstützung wurde vom Staat New York und der MAPEI Corporation bereitgestellt. [73]

Letzte Jahre Bearbeiten

2005 gewann Krens einen Streit mit dem milliardenschweren Philanthropen Peter B. Lewis, dem Vorsitzenden des Stiftungsrats und dem größten Beitragszahler der Stiftung in ihrer Geschichte. Lewis trat aus dem Vorstand zurück und äußerte sich gegen Krens' Pläne für eine weitere globale Expansion der Guggenheim-Museen. [74] Ebenfalls 2005 wurde Lisa Dennison, eine langjährige Guggenheim-Kuratorin, zur Direktorin des Solomon R. Guggenheim Museums in New York ernannt. Dennison trat im Juli 2007 zurück, um beim Auktionshaus Sotheby's zu arbeiten. [75] Die Spannungen zwischen Krens und dem Vorstand hielten an, und im Februar 2008 trat Krens als Direktor der Stiftung zurück, bleibt jedoch Berater für internationale Angelegenheiten. [76]

Richard Armstrong wurde am 4. November 2008 der fünfte Direktor des Museums. Er war 12 Jahre lang Direktor des Carnegie Museum of Art in Pittsburgh, Pennsylvania, wo er auch als Chefkurator und Kurator für zeitgenössische Kunst tätig war. [77] Die Chefkuratorin und stellvertretende Direktorin des Museums ist Nancy Spector. [78]

Zusätzlich zu ihren ständig wachsenden Sammlungen [7] verwaltet die Stiftung Leihausstellungen und organisiert Ausstellungen mit anderen Museen, um die Öffentlichkeitsarbeit zu fördern. [79] Im Jahr 2013 besuchten fast 1,2 Millionen Menschen das Museum, und seine James Turrell-Ausstellung war in Bezug auf die tägliche Besucherzahl die beliebteste in New York City. [6]

2019 war Chaédria LaBouvier die erste schwarze Kuratorin, die eine Einzelausstellung gestaltete, und die erste schwarze Person, die einen vom Museum veröffentlichten Text verfasste. [80] [81] Sie beschuldigte das Museum des Rassismus, nachdem es sich geweigert hatte, sie zum Audioguide für ihre Ausstellung beizutragen, und angeblich Ressourcen vorenthalten und sie von einem Panel ausgeschlossen, das über die Show veranstaltet wurde. Innerhalb eines Monats, nachdem LaBouvier diese Kritik geäußert hatte, stellte das Museum seine erste hauptamtliche schwarze Kuratorin, Ashley James, ein. [82]

Am 14. August 1990 wurden das Museum und sein Inneres separat als New York City Landmarks ausgewiesen. [4] [5] Das Museum wurde am 19. Mai 2005 in das National Register of Historic Places aufgenommen [2] und am 6. Oktober 2008 als National Historic Landmark registriert. [3] Im Juli 2019 wurde das Guggenheim unter acht Immobilien von Wright, die unter dem Titel "The 20th-Century Architecture of Frank Lloyd Wright" in die Liste des Weltkulturerbes aufgenommen wurden. [83] [84] [85]


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