Robert Henri

Robert Henri


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Robert Henri wurde 1865 in Cincinnati, Ohio geboren. Er studierte Kunst an der Pennsylvania Academy und an der Ecole des Beaux Arts in Paris. Nach seiner Rückkehr nach Philadelphia im Jahr 1891 lehrte er an der Women's School of Design.

Als starker Bewunderer der Arbeit von Thomas Eakins war Henri ein Verfechter des Realismus in der Kunst. Später erinnerte er sich: „Thomas Eakins war ein Mann mit großem Charakter. Er war ein Mann mit eisernem Willen und seinem Willen, zu malen und sein Leben so zu führen, wie er es sich vorgestellt hatte. Das hat er getan Werke haben wir das kostbare Ergebnis seiner Unabhängigkeit, seines großzügigen Herzens und seines großen Verstandes. Eakins war ein tiefer Student des Lebens, und mit großer Liebe studierte er die Menschheit aufrichtig. Er hatte keine Angst vor dem, was ihm sein Studium offenbarte Art und Weise des Ausdrucks, die Wissenschaft der Technik, studierte er am gründlichsten, wie nur ein großer Meister den Willen zum Studium haben würde. Seine Vision war nicht von der Mode berührt. Er kämpfte darum, die konstruktive Kraft der Natur zu begreifen und anzuwenden in seinen Werken die gefundenen Prinzipien. Seine Qualität war Ehrlichkeit. Integrität ist das Wort, das am besten zu ihm zu passen scheint. Ich persönlich halte ihn für den größten Porträtmaler, den Amerika hervorgebracht hat."

Schließlich wurde Henri der Anführer einer Bewegung, die Art Young als Ash Can School bezeichnete. Henri lehrte seine Schüler, dass das Werk des Künstlers "eine soziale Kraft sein sollte, die in der Welt Aufsehen erregt". Henri forderte die Künstler auch auf, die "reichen Themen des modernen städtischen Lebens" zu nutzen. Von Henris Ideen beeinflusste Künstler waren John Sloan, George Bellows, George Luks, Denys Wortman, Rockwell Kent und Edward Hopper.

1898 begann Henri seine Lehrtätigkeit an der New York School of Art. Nach einer Ausstellung im Jahr 1904 bemerkte ein Kunstkritiker: „Herr Henri hat immer den Wunsch gezeigt, die Wahrheit zu malen. Die Qualität eines Porträtmalers wird wahrscheinlich auf seinen Nachteil reagieren habe ein starkes Verlangen nach schön aussehen, und ein Mann, der nur versucht, die Wahrheit zu verewigen, wird wahrscheinlich bei den Geldgebern in Ungnade gefallen sein."

Einer seiner Schüler, Stuart Davis, erklärte später: "Er (Henri) sprach drei oder vier Stunden lang über die Bilder, die wir mitgebracht hatten, und während er über diese Bilder sprach, kritisierte er sie nicht aus der Sicht eines Vorgesetzten - etablierte Norm der Exzellenz, aber in Bezug auf seine eigenen Ideen. Er sprach über seine eigenen Interessen, während er über das Gemälde sprach und in der Art und Weise, da er mehr Erfahrung und zielgerichtetere Erfahrungen mit Kultur im Allgemeinen hatte als die Crew der Jugendlichen, die dort waren, waren seine Diskussionen sehr lehrreich."

Als die Nationale Akademie 1907 die Bedeutung von Henri und seinen Anhängern nicht erkannte, veranstaltete er eine eigene Ausstellung unter dem Titel Die acht. Henri argumentierte: "Die revolutionären Parteien, die sich von alten Institutionen, von toten Organisationen lösen, werden immer von Männern mit einer Vision der Ordnung angeführt, von Männern, die erkennen, dass es im Leben ein Gleichgewicht geben muss, so viel von dem, was für jeden Menschen gut ist , so sehr, um die Sehnen seiner Seele zu prüfen, so sehr, um seine Freude anzuregen."

Die Arbeit der Ash Can School wurde nach 1911 bekannter, als John Sloan Kunstredakteur der radikalen Zeitschrift wurde. Die Massen. Obwohl sie selten bezahlt wurden, konnte Sloan die Arbeit von Henri sowie die von ihm beeinflussten Künstler wie Stuart Davis, George Bellows, Rockwell Kent, Boardman Robinson, Robert Minor, K. R. Chamberlain und Maurice Becker verwenden.

1913 inspirierten die Ideen von Henri die Internationale Ausstellung für moderne Kunst (die Armory Show), die in New York City stattfand. Die Ausstellung, die in der Waffenkammer des 69. Regiments stattfand, umfasste über 1.300 Werke, darunter 430 aus Europa. Die Ausstellung, die vom 17. Februar bis 15. März stattfand, verzeichnete rund 250.000 Besucher.

Nach dem Verlassen der New York School of Art lehrte Henri am Ferrer Center (1911-18) und der Arts Students League (1915-28). Henris Buch, Der Kunstgeist, erschienen 1923, hatte einen enormen Einfluss auf junge Künstler in ganz Amerika und Europa.

Robert Henri starb 1929.

Mr. Wenn Leute aus der Gesellschaft ihre Gesichter und Figuren auf Leinwand konservieren lassen, haben sie den starken Wunsch, "hübsch auszusehen", und ein Mann, der nur versucht, die Wahrheit zu verewigen, wird wahrscheinlich bei den Geldgebern in Ungnade gefallen sein.

Er sprach drei oder vier Stunden lang über die Bilder, die wir mitgebracht hatten, und während er über diese Bilder sprach, kritisierte er sie nicht vom Standpunkt einer vorgegebenen Exzellenznorm, sondern in Bezug auf seine eigenen Ideen. Er sprach über seine eigenen Interessen, während er über das Gemälde sprach, und da er mehr Erfahrung und zielgerichtetere Erfahrungen mit Kultur im Allgemeinen hatte als die Jugendmannschaft, die dort war, waren seine Gespräche sehr erzieherisch.

Thomas Eakins war ein Mann mit großem Charakter. Er hatte keine Angst vor dem, was ihm sein Studium offenbarte.

In der Frage der Ausdrucksmittel, der Technikwissenschaft, studierte er am tiefsten, wie nur ein großer Meister den Willen zum Studium haben würde. "Integrität" ist das Wort, das am besten zu ihm zu passen scheint. Ich persönlich halte ihn für den größten Porträtmaler, den Amerika hervorgebracht hat.

Es ist die Unordnung im menschlichen Geist, die ein Chaos der Art erzeugt, die einen solchen Krieg hervorruft, von dem wir heute überwältigt sind. es ist das Versäumnis, die verschiedenen Lebensphasen in ihrer letzten Beziehung zu sehen, die Militarismus, Sklaverei, die Sehnsucht einer Nation, eine andere zu erobern, die Bereitschaft zur Zerstörung für selbstsüchtige, unmenschliche Zwecke hervorruft.

Die revolutionären Parteien, die sich von alten Institutionen, von toten Organisationen lösen, werden immer von Männern mit einer Vision von Ordnung angeführt, von Männern, die erkennen, dass es im Leben ein Gleichgewicht geben muss, so viel von dem, was für jeden Menschen gut ist, so viel zu Testen Sie die Sehnen seiner Seele, so sehr, um seine Freude zu wecken.


Schnee in New York

Robert Henris energisches, aber krasses Bild von New York im Schnee weicht in mehrfacher Hinsicht von den impressionistischen urbanen Schneeszenen dieser Zeit ab: Es stellt eher eine gewöhnliche Seitenstraße als eine Hauptstraße dar Die einpunktige perspektivische Komposition ist frei von trivialen Details, die außergewöhnlich gewagte, strukturierte Pinselführung ähnelt eher einer vorbereitenden Studie als einem fertigen Ölgemälde und die düstere Farbpalette schafft eine dunkle, beklemmende Atmosphäre. In seinem Rekordbuch beschrieb Henri Snow in New York als „N.Y. unten E. auf der 55. St. von 6 Ave. Brown-Häuser bei 5 Ave. Sturmeffekt. Schnee. Wagen nach rechts.“

Nach einem längeren Aufenthalt in Paris im Jahr 1900 nach New York City zurückgekehrt, richtete Henri schließlich ein Atelier und eine Wohnung im Sherwood Building an der Ecke West 57th Street und Sixth Avenue ein. Im März 1902 ermutigte ihn der Händler William Macbeth, New Yorker Stadtlandschaften zu malen, um sie in einer Einzelausstellung im folgenden Monat aufzunehmen. Henri hoffte, für diesen Anlass ein Gemälde zu schaffen, das eine vergleichbare kritische Anerkennung erzielen würde wie La Neige (1899, Louvre, Paris), eine verschneite Ansicht der Rue de Sèvres in Paris, die für das Mus& gekauft worden war. Nr. 233e du Luxembourg im Jahr 1899. Während für Snow in New York ein Käufer gefunden wurde, wurde nur ein weiteres Werk verkauft, was Henri dazu veranlasste, sich hauptsächlich der Porträtmalerei zuzuwenden.


Dozentenecke | Robert Henri Lehrer, Führer der „Acht“, rebellischer Künstler!

„Stella“, gemalt von Robert Henri im Jahr 1907 und obwohl es nicht in der berühmten Ausstellung „Acht“ von 1908 in der Macbeth Gallery in New York ausgestellt wurde, ist als eines von Henris schönsten Porträts und ein Highlight der Alexander-Sammlung bekannt. Im Jahr 1907 war Henri fast 42 Jahre alt und auf dem Höhepunkt seiner Karriere als Künstler, ganz zu schweigen von seinen Erfolgen als inspirierender Lehrer und Leiter für viele Schüler.

Robert Henri (1865-1926) wurde nicht immer so genannt. Sein Geburtsname war Robert Henry Cozad. Ein Mysterium umgibt seine frühen Anfänge mit seinen Eltern, bevor er aus Nebraska zog. Es scheint, dass ein Streit um Wasserrechte oder ein Landbesitz Roberts Vater wütend gemacht hat, um den Mann tödlich zu erschießen. So war mitten in der Nacht ein 8-jähriger Robert mit seinem Bruder und seinen Eltern unterwegs, die sofort alle ihre Nachnamen änderten.

Von New York nach Atlantic City wurde Robert 1886, heute 21 Jahre alt, an der Pennsylvania Academy of Art eingeschrieben. Robert unternahm als junger Mann zwei Reisen nach Paris, zuerst im Jahr 1888, um den französischen Impressionismus zu studieren, und drei Jahre später (nach einigen Lehrjahren in Pennsylvania) in den 1890er Jahren, was zu einer Änderung seines Stils zu einer dunkleren Farbpalette führte. Seine frühen Einflüsse waren Goya, Velazquez und Frans Hals.

Robert Henris Beiträge zur amerikanischen Kunst beginnen wirklich mit seiner Karriere als Lehrer. 1892 lehrte Henri an der Philadelphia School of Design for Women (heute Moore College of Art). Im Jahr 1893 nahmen John Sloan, George Luks, Everett Shinn und William Glackens während eines Sommerprogramms in Darby Creek, Pennsylvania, teil (sie sollten die Kerngruppe für die Eight-Ausstellung im Jahr 1908 bilden). Sie schrieben sich erneut ein, als er an der Philadelphia Academy lehrte.

Henri war ein charismatischer Lehrer, der seine Schüler wirklich inspirierte. Während seiner Lehrtätigkeit an der New York School of Art überschattete seine Popularität als Lehrer die des Co-Lehrers William Merritt Chase, der nicht mithalten konnte, sodass er zurücktrat und Henri verließ, um die Schule zu leiten. Zu seinen Schülern gehörten George Bellows, Stuart Davis, Edward Hopper und Rockwell Kent. Von 1911-1918 unterrichtete Henri an der Ferrer Center School ebenfalls in New York, wo Man Ray zu seinen Schülern gehörte.

Roberts Ideen zur Kunst wurden von der ehemaligen Studentin Margery Ryerson in dem Buch „The Art Spirit“ gesammelt. Einige Jahre vor seinem Tod im Jahr 1926 wurde er vom Arts Council of New York als einer der drei besten lebenden Künstler Amerikas identifiziert. Zu seinem Lehrvermächtnis gehörte die Anerkennung von Künstlerinnen. Henri glaubte, dass Künstler in Amerika realistisch sein müssen. Was wir brauchen, ist „Kunst, die den Geist der Menschen heute ausdrückt…“ Das ist es, was er seinen Schülern ermutigt, und das ist es, was er in seinen Gemälden tat.


Robert Henri, Tom Po Qui (Wasser des Antelope Lake/Indian Girl/Ramoncita)

Robert Henri schuf dieses eindrucksvolle Porträt von Ramoncita Gonzales (Tom Po Qui) (Tewa, San Juan Pueblo) 1914, zu Beginn des Ersten Weltkriegs. Das Datum des Gemäldes, die Lebendigkeit von Henris Palette und die indigene Pueblo-Identität des Dargestellten sind der Schlüssel zur Entfaltung der Bedeutung des Werks.

Robert Henri, Schnee in New York, 1902, Öl auf Leinwand, 81,3 x 65,5 cm (National Gallery of Art, Foto: Steven Zucker, CC BY-NC-SA 2.0 )

Henri war zu dieser Zeit eine wichtige Figur in der amerikanischen Kunstwelt und wurde als eine führende Figur in der Entwicklung des Malstils der Ashcan School anerkannt. Er war der Hauptorganisator einer abtrünnigen Künstlergruppe namens The Eight. Tom Po Qui wurde sechs Jahre später, relativ spät in seiner Karriere, gemalt, und hier sehen wir einen Stilwandel.

Eingang zur New York City Armory Show, 69. Regiment Armory, New York City, 1913

Eine neue Lebendigkeit

Nur ein Jahr vor der Produktion dieses Werks wurde die New Yorker Kunstwelt von der Armory Show von 1913 (auch bekannt als International Exhibition of Modern Art) erschüttert, die die erste große Ausstellung moderner Kunst in den Vereinigten Staaten war . Während einige amerikanische Künstler (einschließlich Henri) in der Show enthalten waren, waren es die Europäer, die das Publikum mit ihren avantgardistischen Stilen, darunter Fauvismus, Kubismus und Futurismus, wirklich schockierten. Für amerikanische Betrachter, die sich erst vor kurzem an den düsteren Realismus von Henri und seinen Malerkollegen der Ashcan School gewöhnt hatten, waren die experimentellen europäischen Werke schockierend.

links: Robert Henri, Figur in Bewegung, 1913, Öl auf Leinwand, 196,2 x 94,6 cm (Terra Foundation for American Art) rechts: Marcel Duchamp, Nackt eine Treppe herabsteigend (Nr. 2), 1912, Öl auf Leinwand, 151,8 x 93,3 cm (Philadelphia Museum of Art)

Tatsächlich ist einer von Henris Beiträgen zur Show, Figur in Bewegung, wird oft mit Marcel Duchamps berühmter kubistischer Komposition verglichen Nackt eine Treppe herabsteigend (Nr.2) um den entschieden gegenständlichen Charakter des amerikanischen Realismus mit der Flachheit und Abstraktion der europäischen Avantgarde zu unterstreichen. Während Henris Arbeit in den Jahren nach der Armory-Ausstellung figurativ blieb, wurde seine Technik lockerer und seine Palette wurde heller und heller, wahrscheinlich zum Teil aufgrund der Erfahrung mit fauvistischen Werken in der Armory.

Robert Henri, Tom Po Qui (Wasser des Antilopensees/Indisches Mädchen/Romancita) (Detail), 1914, Öl auf Leinwand 40-½ x 32-½ Zoll (Denver Art Museum)

Die lebendigen Farben von Tom Po Qui nicht allein durch die Exposition gegenüber europäischen modernistischen Stilen erklärt werden kann, ist auch wichtig, dass Henri in Kalifornien war, als er diese Leinwand malte. Der in New York lebende Henri verbrachte normalerweise Sommer im Ausland und reiste zu verschiedenen europäischen Orten (bedeutende frühere Reisen umfassten Irland, Holland und Spanien). Im Sommer 1914 brach jedoch der Erste Weltkrieg aus, der internationale Reisen unhaltbar machte. Wie viele Amerikaner, deren Reisepläne auf Inlandsreisen beschränkt waren, richtete Henri seinen Blick nach Westen. Er fuhr mit dem Zug nach Kalifornien und ließ sich für die Sommermonate in La Jolla nieder.

Robert Henri, Tom Po Qui (Wasser des Antelope Lake/Indian Girl/Romancita) (Detail), 1914, Öl auf Leinwand 40-½ x 32-½ Zoll (Denver Art Museum)

Henri fühlte sich besonders vom intensiven Licht Südkaliforniens angezogen und erklärte die Bedingungen für Maler ideal. Seine Affinität zu diesem Licht zeigt sich im Porträt von Tom Po Qui, wo der Hintergrund des Gemäldes nicht die in seinen früheren Arbeiten üblichen dunklen Innenräume ist, sondern eine locker gemalte Umgebung, die an die sonnendurchflutete Küstenregion erinnert, in der er sich befand. Die lückenhafte Pinselführung und die leuchtenden Farben zeugen möglicherweise vom Einfluss europäischer Modernisten wie Paul Cézanne und Henri Matisse, aber auch vom Einfluss des Westens.

"Meine Leute"

Henri fühlte sich nicht nur vom Licht Kaliforniens angezogen, sondern auch von der vielfältigen Bevölkerung der Gegend. Während seiner gesamten Karriere war Henri daran interessiert, neue und interessante Menschen zum Malen zu finden, indem er nach Modellen unterschiedlicher sozialer Positionen, Berufe, Regionen und Ethnien suchte. In Kalifornien war er besonders daran interessiert, Sitter mit einer seiner Meinung nach unterschiedlichen Rassenidentität zu finden. Während seiner schließlich drei Reisen in die Gegend malte er schwarze, chinesisch-amerikanische, mexikanisch-amerikanische und indianische Porträts. In einem Artikel von 1915 über diese Werke sagte Henri: „Ich war nicht daran interessiert, dass diese Leute über sie sentimentalisieren, über die Tatsache trauern, dass wir den Inder zerstört haben, dass wir das schüchterne chinesische Mädchen in eine Soubrette verwandeln, . . . Ich betrachte jeden Einzelnen mit der eifrigen Hoffnung, dort etwas von der Würde des Lebens, dem Humor, der Menschlichkeit, der Freundlichkeit zu finden.“ [1]

links: Robert Henri, Sylvester, 1914, Öl auf Leinwand, 81,2 x 66, cm (Terra Foundation for American Art) rechts: Robert Henri, Tam Gan, 1914, Öl auf Leinwand, 60,96 x 50,8 cm (Albright-Knox Art Gallery)

Heute lesen wir seine Rhetorik als problematisch rassistisch und herablassend, insbesondere angesichts des geschützten Titels des Artikels „Mein Volk“. Aber Henris Wunsch, diese Dargestellten als würdevolle Individuen zu malen, widersetzt sich dennoch den virulenteren Rassenstereotypen, die für diese Zeit typisch sind, auch wenn sein Ansatz in Exotik übergehen könnte.

Robert Henri, Tom Po Qui (Wasser des Antilopensees/Indisches Mädchen/Romancita) (Detail), 1914, Öl auf Leinwand 40-½ x 32-½ Zoll (Denver Art Museum)

Tom Po Qui ist ein Paradebeispiel für solche Porträts. Einerseits scheint die Arbeit Gonzales als ethnischen Typ zu präsentieren, ihre farbenfrohe Kleidung der Eingeborenen und ihr schillernder Silberschmuck, die auf eine Weise hervorgehoben werden, die sie zu einem dekorativen Objekt zu machen scheint, das von einem nicht einheimischen Publikum konsumiert wird, das begierig auf Darstellungen ist der exotischen indianischen Kultur. Doch Gonzales starrt mit Selbstbeherrschung aus der Leinwand und begegnet dem Blick des Betrachters gleichmäßig auf eine Weise, die die Interpretation dieses Werks als völlig ausbeuterisch stört. Die Handlungsfähigkeit dieser Dargestellten kann nicht ignoriert werden, und tatsächlich bringt die historische Aufzeichnung von Gonzales' Identität als eigenständige Pueblo-Künstlerin und Performerin weitere Nuancen in die Analyse dieses Gemäldes.

Gemalte Wüste

Henri malte Gonzales nicht in La Jolla, sondern im nahegelegenen San Diego, auf dem Gelände der Panama-California-Ausstellung, die 1915 eröffnet wurde. Die Panama-California-Ausstellung fand zwischen dem 1. Januar 1915 und dem 1. Januar 1917 in San Diego statt Balboa Park, um die Eröffnung des Panamakanals zu feiern und den Tourismus in der Region zu fördern. Die verschiedenen Exponate der Exposition wurden gebaut, darunter die „Painted Desert“, eine ethnografische Ausstellung mit einem groß angelegten rekonstruierten Pueblo, das Hunderte von Pueblo-, Navajo- und Apache-Darstellern zeigen würde. Die Organisatoren baten mehrere Pueblo-Familien, frühzeitig von ihren Häusern in New Mexico zur Baustelle zu reisen und beim Bau zu helfen. Gonzales war unter ihnen, die mit ihrer Cousine Maria Martinez und Marias Ehemann Julian ankam. Während Julian Martinez als Baumeister diente, konstruierten Gonzales und Maria Martinez die großen Töpfe, die als Kamine in den Wohnräumen für das rekonstruierte Pueblo dienten. Als die Messe eröffnet wurde, würden sie weiterhin Töpferwaren herstellen, diesmal zum Verkauf an die Besucher, die zur Ausstellung strömten. Das touristische Interesse an der Pueblo-Keramik in dieser Zeit führte zu einer Wiederbelebung der Praxis, die Ende des 19. Jahrhunderts fast ausgestorben war.

Unbekannter Fotograf, Maria Martinez und Ramoncita Gonzales beim Töpfern, Painted Desert Exhibit, Panama-California Exposition, 1915 (Foto: San Diego Museum of Man)

Messebesucher kauften gelegentlich Töpfe, besuchten aber auch die Ausstellung Painted Desert, um einfach die dort lebenden indigenen Völker zu beobachten, die als traditionell gelten - einschließlich der Töpferei. Die Besucher sahen zu, wie Maria Martinez und Ramoncita Gonzales ihre Gefäße formten und feuerten, wobei Julian Martinez die gemalten Designs lieferte. Bei diesen Pueblo-Figuren handelte es sich um Künstler/Darsteller, die sich gegen Bezahlung der Löhne der Messeveranstalter als auf traditionelle Weise lebende Ureinwohner präsentierten. Als Künstler wie Henri auf der Suche nach Modellen das Messegelände besuchten, stimmten Pueblo-Darsteller zu, zu sitzen, oder wir könnten sagen, ihre traditionelle Identität zu präsentieren.

Robert Henri, Tom Po Qui (Wasser des Antelope Lake/Indian Girl/Romancita) (Detail), 1914, Öl auf Leinwand 40-½ x 32-½ Zoll (Denver Art Museum)

Gonzales wählte wahrscheinlich ihre Kleidung für Tom Po Qui Es ist die gleiche Art von Kleidung und Schmuck, die wir zu Beginn der Ausstellung von ihr und anderen Pueblo-Frauen tragen. Da die üblichen Lebensgrundlagen der Pueblos durch die vordringende weiße Kultur bedroht waren, wandten sich Gonzales und andere der Produktion von touristischen Waren und Auftritten als „Show Indians“ zu, um zu überleben. Bilder wie Tom Po Qui erinnern an die ausbeuterischen und exotisierenden Praktiken, die Pueblo-Menschen wie Gonzales dazu brachten, ihre indigene Identität für finanzielle Sicherheit aufzugeben. Es ist jedoch erwähnenswert, dass diese Arbeit gleichzeitig die Handlungsfähigkeit der indigenen Völker in den frühen Jahren des 20. Jahrhunderts dokumentierte, als sie indigene Traditionen an die Bedürfnisse ihres modernen Lebens anpassten.

[1] Robert Henri, „Mein Volk“, Der Handwerker vol. 27, nein. 5 (Februar 1915), p. 467.

Derrick Cartwright und Valerie Ann Leeds, Robert Henris Kalifornien: Realismus, Rasse und Region 1914–1925 (Laguna, CA: Laguna Art Museum, 2014)

Ruth B. Phillips, „Darstellung der einheimischen Frau: Primitivismus und Mimikry in der visuellen Kultur des frühen 20. Jahrhunderts“, Antimodernismus und künstlerische Erfahrung: Überwachung der Grenzen der Moderne, herausgegeben von Lynda Jessup, 26–49 (Toronto: University of Toronto Press, 2001)

W. Jackson Rushing, Kunst der amerikanischen Ureinwohner und die New Yorker Avantgarde (Austin: University of Texas Press, 1995)


Лижайшие родственники

Über Robert Henry Pedigo, I

Geschichte der Familie Pedigo in Amerika Von: Frank Edward Durham · 20. Juli 2015 · Edward Pedigo (Pediford) (Peregoy) (25. Dezember 1730 - 26. April 1834)

Edward Pedigo, von seiner Familie oft als “Großvater Ned” bezeichnet, war der Sohn von Henry Peregoy, Sr. aus Baltimore County, Maryland, von seiner ersten Frau Amy Green. Sein Großvater war Joseph Peregois (1665-1720), der 1685 aus Frankreich nach Maryland einwanderte. Laut Familienüberlieferung, Edward und sein älterer Bruder, Robert, lief noch als Teenager von zu Hause weg, um den Unterdrückungen einer tyrannischen Stiefmutter zu entkommen. Die beiden Jungen änderten die Schreibweise ihres Namens in Pedigo und ließen sich im York River Valley in Virginia nieder. Später zogen sie in die Wildnisregion des Südpiemonts, ein Gebiet, das heute von den Grafschaften Patrick und Henry umfasst wird. Hier heirateten die Brüder die Elkin-Schwestern Edward mit Hannah Elkins und Robert an Mary Elkins. Beide Familien hatten Söhne namens Joseph, Henry, Elijah und John, und beide hatten Töchter namens Elizabeth und Amy.

In einem Brief vom 08. November 1904 schrieb George Edwin Pedigo (damals 86 Jahre alt) aus Randolph, Metcalfe County, Kentucky, wie folgt:

“Im Jahr 1805 zog mein Großvater Joseph Pedigo von Virginia nach Kentucky und ließ sich in der Nähe von Pleasant Hill nieder. Das Haus steht auf dem von ihm gekauften Grundstück (250 Morgen im Jahr 1816). Zwei oder drei Jahre später kehrte er nach Virginia zurück und zog Großvater Ned nach Kentucky und ließ ihn auf einem Teil seines Landes nieder. Großvater Ned lebte dort bis zum Tod seiner Frau, ging dann zu seinem Sohn Joseph’ und lebte und starb dort. Nachdem meine Mutter gestorben war, wurde ich bei meiner Großmutter und meinem Großvater (Joseph und Dolly Edwards Pedigo) untergebracht, und ich wartete auf Großvater Ned, bis er starb. Er wurde 2 und ½ Meilen nördlich von Pleasant Hill Church begraben. Dann gibt es hier keinen Friedhof.”

Edward Pedigo kam mit seinem ältesten Sohn Joseph, der drei Jahre zuvor dorthin gezogen war, nach Kentucky. Joseph Pedigo heiratete 1783 Dorothy Edwards in Virginia, und als das Paar 1805 nach Barren County, Kentucky, zog, wurden sie von mehreren Geschwistern Josephs begleitet, darunter die Brüder Henry, Levi und Elkin. Joseph kehrte dann nach Patrick County, Virginia, zurück, um seine Eltern zu holen und sie in ihr neues Zuhause zu bringen. Zu diesem Zeitpunkt war Edward ein alter Mann von etwa 73 Jahren. Er würde schließlich das hohe Alter von 104 Jahren erreichen und starb am 26. April 1834 in der Nähe von Randolph, Kentucky (laut Bibelbericht von John Grogan Pedigo, einem Enkel von Edward und Hannah). Das ursprüngliche Gehöft befand sich in Barren County in der Nähe des Dorfes Randolph, befindet sich jedoch heute im Metcalfe County, das 1860 aus Barren gegründet wurde. Es wird angenommen, dass Edward und zwei seiner Söhne (Joseph und Henry) auf dem ehemaligen Friedhof der Pedigo-Familie begraben sind liegt etwa 0,1 Meile südlich von Randolph. Die genaue Lage des Friedhofs ist nicht mehr zu ermitteln, da der Ort in den letzten Jahren mit Bulldozern planiert wurde.

Die gegenwärtige Form des Namens, Pedigo, wurde von den Zweigen der Familie in Virginia und Kentucky angenommen, aber die Familie Maryland bleibt eine der älteren Formen, die Peregoy ist. Es gibt jedoch mehrere anerkannte Formen gleichen Namens: Pedego, Perego, Peregory, Peregoe, Perigo, Pedigoy. Diese Formulare sind verschiedenen Dokumenten entnommen, und in einem alten Testament gibt es fünf dieser Formulare.

Edward Pedigo war ein amerikanischer Patriot und hat eine lange und interessante Geschichte, nicht nur im Unabhängigkeitskrieg, sondern auch im Franzosen- und Indianerkrieg. Er diente in der Miliz von Halifax County, Virginia, die im September 1758 als Edward Peregoy registriert wurde, für zwei Perioden vor diesem Datum. Er war mit Washington in Fort Duquesne, dem Schauplatz der Niederlage von General Braddock, als einer der dreißig Virginianer, die das Schlachtfeld lebend verließen. Als die Kolonien gegen England rebellierten, sah Edward seinen Dienst im Unabhängigkeitskrieg unter dem Namen Edward “Pediford” (zusammen mit anderen Schreibweisen) und diente als Gefreiter beim 3., 5., 7. und 11. Virginia Regiment. Nach dem Krieg erhielt er vom Virginia State Land Office einen Landbefehl für drei Jahre Dienst in der Continental Line.

Er meldete sich zum ersten Mal am 13. Februar 1778 für ein Jahr und diente in Capt. Charles Fleming’s Company, Seventh Virginia Foot, unter dem Kommando von Oberst Alexander McClenachan. Da die Virginia Regimenter oft kombiniert und reorganisiert wurden, war Edward bald in der Kompanie des 3. und 7. Regiments von Captain Henry Young und später im 5. und 11. Regiment. Einige seiner Musterrollen haben viel historisches Interesse und zeigen ihn mit Washington in Valley Forge, in Morristown und mit den Truppen, die D𠆞staining’s Flotte in Savannah unterstützen. Er sah am 28. Juni 1778 in der Schlacht von Monmouth Courthouse eine Aktion. Die Musterungsliste für Dezember 1778 berichtet von seiner Wiedereinberufung für die Dauer des Krieges. Seine letzte erhaltene Musterungsliste ist datiert �mp in der Nähe von Morristown, 09.12.1779,”, aber dies zeigt nicht seinen späteren Dienst, der durch seinen militärischen Landbefehl vom 12. Januar 1784 mit drei Dienstjahren belegt wird. Es ist fast sicher, dass Edward mit dem Rest der Mannschaften und Offiziere der Virginia Line zusammen war, als sie am 12. Mai 1780 von britischen Truppen bei der Belagerung von Charleston gefangen genommen wurden.


Robert Henri - Geschichte

Anmerkung der Redaktion: Das Minnesota Museum of American Art hat dem Resource Library Magazine Quellenmaterial für den folgenden Artikel zur Verfügung gestellt. Wenn Sie Fragen oder Kommentare zum Quellenmaterial haben, wenden Sie sich bitte direkt über diese Telefonnummer oder Webadresse an das Minnesota Museum of American Art:

Robert Henri und sein Einfluss

26. Oktober - 31. Dezember 2002

D as Minnesota Museum of American Art präsentiert bis zum 31. Dezember 2002 die Ausstellung Robert Henri and His Influence. Sie zeigt Gemälde, Drucke und Arbeiten auf Papier von Robert Henri und 11 Künstlern, die mit den ersten amerikanischen modernen Bewegungen des 20. Jahrhunderts verbunden sind. die Ashcan School und The Eight. (links: William Glackens (1870-1938), Strandszene, Isle Adam, gemaltes Datum unbekannt, Öl auf Leinwand, MMAA Margaret MacLaren Vermächtnis)

Diese Ausstellung repräsentiert die enorme ästhetische Vielfalt, die diese Bewegungen von Porträts bis hin zu Straßenszenen auszeichnete, und die Rolle, die Henri bei der Gestaltung ihrer Richtung spielte. Enthalten sind Werke von Henri und den anderen Mitgliedern von The Eight – Arthur B. Davies, William Glackens, Ernest Lawson, George Luks, Maurice Prendergast, Everett Shinn und John Sloan – und anderen Künstlern, die Henri beeinflusst hat, darunter George Bellows, Arthur B. Carles, William Merritt Chase und Walt Kuhn.

Henri hatte einen tiefgreifenden Einfluss auf die amerikanische Kunst. Als beliebter Lehrer und Verfechter abenteuerlicher Malstile prägte er The Eight und die Ashcan School. Seine dynamische Präsenz als Künstler und Pädagoge und seine Begeisterung für die Details des Lebens brachten den amerikanischen Künstlern neues Selbstbewusstsein. Mit Henri als inoffiziellem Anführer wurde 1907 die innovative Künstlergruppe "Die Acht" gegründet. Beeinflusst von den Zeitungsillustratoren unter ihnen, waren sie entschlossen, das Stadtleben realistisch darzustellen. Damals war Amerika zwischen wirtschaftlichen Extremen hin- und hergerissen, Industrielle häuften große Vermögen an, während massive Einwanderung zu Armut in den Städten führte. Die Genauigkeit ihrer Gemälde von New Yorker Slums führte zu dem Spitznamen "Ashcan School". Obwohl The Eight 1908 nur eine Ausstellung als Gruppe veranstalteten, waren mehrere Mitglieder maßgeblich an der Organisation der berühmten New York Armory Show von 1913 beteiligt, die die amerikanische moderne Kunst revolutionierte. (links: Everett Shinn (1876-1953), The Old Bus, 1904, Pastell auf Papier, MMAA Weyand Fund Purchase)

Robert Henri and His Influence wurde aus der Sammlung der Sheldon Memorial Art Gallery in Lincoln, Nebraska, zusammengestellt und wird durch Werke aus dem Minnesota Museum of American Art und Privatsammlungen ergänzt.

Die Acht und die Ashcan School repräsentierten eine enorme ästhetische Vielfalt, die die Geschichte der modernen Kunst in den Vereinigten Staaten prägte. Sie fungierten im Wesentlichen als ausstellende Gruppe mit einer gemeinsamen Philosophie und nicht als einem gemeinsamen künstlerischen Stil. Mitglieder von The Eight waren maßgeblich an der Organisation und Förderung der berühmten New York Armory Show von 1913 beteiligt, Amerikas erster Dosis europäischer Moderne, die einen wichtigen Wendepunkt in der amerikanischen Kunst und Kultur darstellte. George Bellows, Arthur B. Davies, William Glackens, Walt Kuhn, George Luks, Maurice Prendergast, Everett Shinn und John Sloan repräsentieren das gesamte Spektrum der künstlerischen Stilrichtungen, die den Einfluss von Robert Henri offenbaren in die Moderne im zwanzigsten Jahrhundert.

Ursprünglich Robert Henry Cozad, wurde Robert Earl Henri am 25. Juni 1865 in Cincinnati, Ohio geboren. Sein Vater, John Jackson Cozad, war ein ehemaliger Spieler, der zum Immobilienentwickler wurde, und seine Mutter, Theresa Gatewood Cozad, war Hausfrau. 1873 zog er mit seiner Familie nach Westen in die Great Plains von Nebraska, wo sein Vater die Stadt Cozad gründete. Die Stadt wurde hauptsächlich von Bauern bewohnt und da ihre Höfe erlesenes Weideland belegten, hatte Henris Vater Schwierigkeiten mit den seit vielen Jahren dort ansässigen Viehzüchtern. Eines Abends im Jahr 1882 griff einer der Viehzüchter Henris Vater mit einem Messer an. In Notwehr erschoss er ihn tödlich mit einer Pistole und floh dann. Obwohl er später von jeglichem Fehlverhalten freigesprochen wurde, kehrte er nie zurück. Stattdessen ließ er sich in Denver, Colorado, nieder, wo seine Familie später mit ihm zusammentraf. Um sich von dem Skandal zu distanzieren, änderte jedes der Familienmitglieder seinen Namen, und aus Robert Henry Cozad wurde Robert Earl Henri (ausgesprochen Hen-Rye). (links: Robert Henri (1865-1929), Selbstporträt, 1903, Öl auf Leinwand, University of Nebraska-Lincoln, Geschenk von Frau Olga N. Sheldon)

Obwohl sie in Denver erfolgreich waren, wussten die Cozads, jetzt die Lees, dass es nur wenige Möglichkeiten für die Ausbildung und die Zukunft ihrer Söhne bot, also zogen sie nach Osten und ließen sich 1883 in Atlantic City, New Jersey, nieder. Dort produzierte Henri seine ersten beiden Gemälde und als er von einem Freund gesehen wurde, wurde er ermutigt, eine formale Kunstausbildung zu suchen. Im folgenden Jahr schrieb sich Henri an der Pennsylvania Academy of Fine Arts (PAFA), der ältesten Kunstinstitution der Vereinigten Staaten, in Philadelphia, Pennsylvania ein. Der Lehrplan war streng. Es beinhaltete das Studium der Anatomie, viele Stunden des Zeichnens, Malens und Modellierens der menschlichen Figur sowie Unterricht in Komposition, Perspektive und Porträt. Mit der Zeit verbesserte Henri seine künstlerischen Fähigkeiten und gewann die Bewunderung seines Lehrers Thomas Anshutz.

Nach zwei Jahren an der PAFA erkannte Henri, dass er nach Europa gehen musste, wenn er eine vollständige formale Kunstausbildung wollte. So, in 1888, Henri went to Paris and attended the Académie Julian, and later transferred to the École des Beaux-Arts, one of the most famous and well-respected art schools in the world.

In 1891, Henri returned to Philadelphia and, the following year, began his long career as an art instructor his first job was at the Philadelphia School of Design for Women. He also continued formal art training at the PAFA.

During this time, Henri met and befriended a group of young artists and newspaper illustrators who admired him for his talent and the fact that he was one of few artists in Philadelphia to have studied in Paris. Henri invited these
men to his studio for weekly discussions on art, ethics, literature, music, and politics, which, consequently, created a dynamic artistic environment. More importantly, however, he lectured on the role of artists in the United States. Henri firmly believed that serious artists should develop their own means of expression, and not be pressured into following - and perpetuating - aesthetic conventions.

Of those who attended the weekly discussions, four were newspaper illustrators, namely William Glackens, George Luks, Everett Shinn, and John Sloan, who, collectively, were known as the "Philadelphia Four." Although three of the four had studied at the PAFA, they did not aspire to be serious artists. Henri, however, encouraged them to paint. He never imposed a style upon them because he wanted them to develop their own means of expression. He did offer advice, though:

"Paint what you feel. Paint what you see. Paint what is real to you."

During the latter-half of the 1890's, Henri divided his time between Philadelphia and Paris. He believed Philadelphians, compared to Parisians, were not as accepting of his works. In order to gain acceptance and recognition in Philadelphia, or anywhere in the United States, he first had to prove himself as a successful artist in Paris. And that he did. In 1896, one of Henri's works was accepted for the Salon and, in 1899, three more of his works were accepted. The following year, Henri returned to the United States and settled in New York, where the "Philadelphia Four" also settled.

In 1902, Henri accepted a teaching position at the New York School of Art. He was an extremely popular instructor, and quickly found himself receiving awards and serving on juries at various institutions, including the relatively conservative National Academy of Design. Although Henri disagreed with the Academy and its stance on art, he hoped he could reform it from within. Although his works were often accepted for the Academy's annual exhibition, largely because they were portraits, works by other young artists, such as Glackens, Luks, Shinn, and Sloan, were not.

In 1907, after years of fighting with the Academy, Henri withdrew two of his works from the annual exhibition, citing an unfair attitude towards young artists, and organized his own exhibition, featuring his and his friends' works. The result was the exhibition of "The Eight" (i.e. Henri, Glackens, Luks, Shinn, Sloan, Arthur B. Davies, Ernest Lawson, and Maurice Prendergast) at the Macbeth Gallery in New York. The exhibition, which opened on February 3, 1908, was an immediate success, not only because of its publicity, which was provided for by the "Philadelphia Four," but also because the works were more accurate and livelier representations of life in the United States than anything selected for exhibition by the Academy. In all, over 7,000 visitors attended the exhibition and about $4,000 worth of works were sold. Reaction from the critics was mixed although some disliked their coarse, vulgar subjects and lack of technique, others praised their creativity and truthfulness regarding the diversity and social conditions of the United States, as well as their individuality without being confined to the Academy's conservative standards. (left: Robert Henri (1865-1929), Gypsy Girl in White, 1916, oil on canvas, University of Nebraska-Lincoln, Howard S. Wilson Memorial)

The exhibition of "The Eight" marked a turning point in the art world, particularly in the United States. It proved, once and for all, that a group of progressive artists could hold an exhibition that was successful with both the amount of people it attracted and the amount of money it generated. And it was only a starting point. Its success gave "The Eight," as well as other progressive artists, the courage and determination to continue their fight against the Academy by holding larger and more radical exhibitions of both American and European art. Such was the case with the Armory Show of 1913, where Henri exhibited five works.

After several years of teaching at the New York School of Art, Henri opened his own school, the Henri School of Art, where he taught such artists as Patrick Henry Bruce, Stuart Davis, Edward Hopper, Rockwell Kent, and Yasuo Kuniyoshi, all of whom are represented in the Sheldon's permanent collection. He also taught at the educationally and politically radical Ferrer Modern School, where Man Ray and Leon Trotsky attended his classes and, later, at the Art Students' League. In 1923, Henri's importance and influence were carried beyond the classroom with the publication of his book The Art Spirit, a collection of his lecture notes, criticisms, and other remarks on art. It is still in print today.

During the latter years of his life, Henri taught during the school year and traveled throughout the United States and Europe during the summer, often looking for subjects for his works. He grew particularly fond of Achill Island, off the coast of Ireland, where he spent many summers. Its simple way of life, not yet corrupted by civilization, was of great interest to him.

Henri died from cancer on July 12, 1929. He was 64.

Born in Columbus, Ohio, George Bellows was a major American artist of the early 20th century, known for his paintings of boxing match figures and for his lithographs of his paintings. Bellows cemented his place in American art with his series of works depicting urban life in New York City, circa 1910. He enjoyed much critical acclaim during his life, and was elected to the National Academy of Design. At the height of his career, Bellows died from appendicitis at the age of 42.

Arthur B. Carles was one of the first American proponents of Abstract Expressionism. He spent most of his life in Philadelphia where he studied, taught and exhibited at the Philadelphia Academy of the Fine Arts. Carles' paintings span turn-of-the-century academic impressionism, early American modernism, and the mid-century emergence of Abstract Expressionism. Regarded as a pioneer early in the century, he became an innovator. By the end of his career he was well ahead of his time.

William Merritt Chase is one of the most famous of all 19th century American painters, both as a painter coming out of the Munich tradition into modern impressionism and as a talented teacher. He studied painting in Munich for six years, and upon his return to the United States in 1878, quickly established himself as one of the foremost Impressionist painters in New York. Originally known for portraiture and still life work, he also gained a reputation for landscape painting.

Arthur B. Davies gained a reputation for ethereal figure paintings that expressed lightness and mysticism. He was also a principal organizer of the 1913 Armory Show. Davies developed a style that combined Symbolism with elements of Tonalism, Art Nouveau, and Cubism, and became increasingly interested in expressing a feeling of lightness in figural compositions. His involvement with the Modern artists is reflected in his production of cubist-inspired works during the period. He also did printmaking, producing some two hundred graphic works between 1916 and his death in 1928.

Born in Philadelphia, Pennsylvania, William Glackens became one of the Realist painters following Henri. His first job was as an artist-reporter for the Philadelphia Record . He then moved to the Philadelphia Press where Luks, Shinn, and Sloan were also employed. In 1919, he began sharing a studio with Henri, who encouraged Glackens to pursue a full-time career as a professional artist. Early in his painting career, he painted numerous scenes of Washington Square and Central Park. Glackens also adopted Impressionism and did many paintings of seaside resorts on Cape Cod and Long Island.

A painter and major organizer of the Armory Show, Walt Kuhn is perhaps best known for his circus figure/clown depictions. He also painted still lifes and landscapes. Kuhn was inspired and influenced by many artists, most notably Paul Cézanne. He was a key figure in forming the American Association of Painters and Sculptors, which organized the Armory Show of 1913. Kuhn was executive secretary of the Association and traveled abroad to select entries for that exhibition.

Working in a near-pure Impressionist style, Ernest Lawson's works often featured the urban landscape of New York. Lawson was born in Kansas City and studied at the Art Students League in New York City. Following brief study in Paris, Lawson stayed close to his home near Washington Heights, where he painted his most important canvases. In contrast to the other members of The Eight, who were all considered Social Realists, Lawson was the only member who exhibited pure landscapes. He worked in an Impressionistic style, and many of his works focus on the influence of human beings on the landscapes.

George Luks was a leading figure in the New York art world in the early part of the 20th century. He did lively portraits and genre paintings of everyday people engaged in activity, rather than self-consciously posed. He studied in Europe for several years and was much influenced by the paintings of Rembrandt and Frans Hals. He then worked for the Philadelphia Press , doing quick, accurate reportorial sketches, a method that became his forte. In Philadelphia he became friends with Sloan, Henri, Glackens and Shinn. In 1896 he moved to New York City, where he painted the people he saw on the street and joined with the Henri circle in depicting social realism.

Maurice Prendergast is known as a neo-impressionist rather than an Ashcan painter who was a member of The Eight. He is known for his lively, playful scenes that combine bold contoured forms with decorative surface patterning and bright, prismatic color. For most of his career he worked primarily in watercolor, but in the mid 1910s began to paint more in oil. He also made over 210 monotypes. By the time of his death in 1924, Prendergast had become one of the most famous American painters, well known for his views of the coastlines, beaches and parks in and around New England and Italy.

Everett Shinn was a Social Realist painter who focused on lower-class urban themes. He was also a cartoonist and illustrator. With the encouragement of Henri, Shinn moved to New York City, where he continued illustration work for various publications, and began exhibiting his paintings in fine art venues. Shinn's early paintings and pastels reflect his interest in the depiction of city living. His artwork also reveals an enchantment with the more glamorous aspects of urban life. In particular, Shinn's obsession with the theater may be seen in many dynamic works, which depict actresses, singers, and dancers on the stage, often compositionally related to the pastels of Edgar Degas.

John Sloan was a member of the Ashcan School and was an illustrator, painter, and printmaker. He became one of the major early 20th century figures in the Social Realist movement. He began his career as a newspaper illustrator for the Philadelphia Inquirer Sloan enrolled in a drawing class at the Academy taught by Thomas Anshutz, and eventually began renting Henri's studio, which became a meeting place of other young newspaper illustrators. After the 1913 Armory Show, Sloan experimented with more radical painting styles. Although he considered himself a professional artist, he continued to support himself as a commercial illustrator until 1916. Sloan was also an early eastern painter in the Southwest, active in the Santa Fe colony and in getting other eastern artists to head west.

Following is additional text excerpted from panels placed on the walls of the exhibition:

As an artist, art teacher, and advocate for modern art, Robert Henri influenced, and continues to influence, generations of artists with not only his artworks but also through his book, The Art Spirit , published in 1923, which remains in print and is still in high demand today. Henri's philosophy of art was an important catalyst in the history and development of international modern art in the United States. His philosophy was derived from romantic humanism, modernism, and American pragmatism, a blend that made European modern art less threatening to an art audience skeptical of abstraction and avant-gardism. Henri's interest in developing the artist's individual expressive freedom enabled artists to enter the international art world in an unprecedented manner. In fact several members of The Eight were instrumental in organizing and promoting the famous Armory Show of 1913, Americas first dose of European modernism, which represented a major watershed in American art and culture. This exhibition, of which Henri took part, had an inescapable effect, both directly and indirectly, on him, challenging his artistic beliefs and personal leadership. Representing the full spectrum of artistic styles that manifest the scope of Henri's influence, George Bellows, William Merritt Chase, Arthur B. Davies, William Glackens, Walt Kuhn, George Luks, Maurice Prendergast, Everett Shinn, and John Sloan are all associated with this initial American foray into modernism in the twentieth century. The Sheldon Memorial Art Gallery and Sculpture Garden presents Henri's work in the context of the many important artists he influenced in the first decades of the twentieth-century. Many of these artists were associated with both The Eight and later with the so-called Ashcan School, both of which were shaped and sustained by the energies of Henri. The Eight, which exhibited during the first decade of the twentieth century, included artists William Glackens, George Luks, Everett Shinn, John Sloan, Arthur B. Davies, Ernest Lawson, Maurice Prendergast, and Robert Henri. Functioning essentially as an exhibiting group or community and not because of a similar style or aesthetic art form, these artists represented a tremendous aesthetic diversity that came to characterize the history of modern art in the United States. The term Ashcan School, which first appeared in a 1934 book by Alfred Barr and Holger Cahill, describes some of The Eight who were interested in the banal and mundane subject matter and usually painted them in a dark palette derived from the Munich School. Indeed, the interrelationship of The Eight and the Ashcan School are due to Henri's strong involvement with both groups. With thirty paintings and works on paper and a collection of archival materials, the Sheldon Memorial Art Gallery collection is the most comprehensive public assembly of Henri's oeuvre.

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Robert Henri


National Art Databases and Museum Inventories:

Smithsonian American Art Museum National Art Inventories
List of works nationwide from two sources: the Inventory of American Paintings Executed before 1914 and the Inventory of American Sculpture (only a few percent of listings have an accompanying image)

Christie's Past Sale Archive
(database goes as far back as 1991 images go about as far back as 1999)

Sotheby's Sold Lot Archive
(database goes as far back as 1998 images where permitted by copyright go about as far back as 2001)

Additional Image Search Tools:
(SafeSearch set to "strict" go to Advanced Search (Flickr/Google) or Preferences (Bing) to change)

Salon Acquisitions in France by the Service des Beaux-Arts, 1864-1901 (in French)
(Vintage documentation reproductions are monochrome but usually quite large)
La neige , from the Salon of 1899

Encyclopedia Britannica complete article on Robert Henri
Note: The full version of the article is available only if you follow this link . If you bookmark the article and return later, or if you navigate directly to the Britannica website, you will see a 100-word preview only. Fehlerbehebung

Union List of Artist Names (Getty Museum)
Reference sheet with basic information about the artist and pointers to other references.

Antiques & Fine Art Magazine
"Painterly Controversy: William Merritt Chase and Robert Henri" (2007)

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The Art Spirit

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Blue Heron Blast



In my opinion, Robert Henri was the most pathetically overhyped American artist and the Ash Can School only possibly matched by the Oakland Society of Six in it's members lack of artistic merit and their overblown popularity. In fact, the latter day artist that most favorably compares to Henri is Walter (Margaret) Keane. They both liked to paint syrupy portraits of children with big eyes, however Keane was never under the illusion that he was creating great art. Like Keane, Henri's subjects always had the same rosy cheeks and monotonous and unwavering emotional palette. He used thick impasto and big sloppy brushwork.

From Wikipedia:

In Philadelphia, Henri began to attract a group of followers who met in his studio to discuss art and culture, including several illustrators for the Philadelphia Press newspaper who would become known as the 'Philadelphia Four': William Glackens, George Luks, Everett Shinn, and John French Sloan. The gatherings became known as the "Charcoal Club", featuring life drawing and readings in the social philosophy of Ralph Waldo Emerson, Walt Whitman, Émile Zola, and Henry David Thoreau. By 1895, Henri had come to reconsider Impressionism, calling it a new academicism. In 1906, he was elected to the National Academy of Design, but when painters in his circle were rejected for the Academy's 1907 exhibition, he accused fellow jurors of bias and walked off the jury, resolving to organize a show of his own. He would later refer to the Academy as "a cemetery of art."


In February 1908, Henri organized a landmark show entitled "The Eight" (after the eight painters displaying their works) at the Macbeth Gallery in New York. Besides his own works and those produced by the "Philadelphia Four" (who had followed Henri to New York by this time), there were paintings by Maurice Prendergast, Ernest Lawson, and Arthur B. Davies. These painters and this exhibition would become associated with the Ashcan School, although the content of the show was diverse and that term was not coined until 1934. In May 1908, he married 22-year old Irish-born Marjorie Organ.


In 1910, Henri organized the Exhibition of Independent Artists, a no-jury, no-prize show modeled after the Salon des Independants in France. Works were hung alphabetically to emphasize the egalitarian philosophy. Walt Kuhn, who took part in this show, would come to play a key role in the Armory Show, an exhibition mounted in 1913 that introduced many American viewers to avant-garde European art. Five of Henri's paintings were included in the Armory Show.


Now the salient question is how the American public, exposed and nurtured on the brilliance of Hassam, Eakins, Whistler and Sargent, could fall for these bogus antecedents of 50's clown genre painting. I think the answer is the New York centricism that both then and now pervades the art market. You could have a blind chihuaha tap dancing on a canvas with paint on its paws and someone in the five boroughs would proclaim it an artistic tour de force. And the American public would buy it. The rest of the eight, with the possible exception of Glackens, were similar one trick pony nogoodniks, whose exalted status has been fraudulently foisted on the American public. Sloan lacked rudimentary drawing skills, Prendergrast's work was thin and repetitive, Luks and Shinn were interesting artists in a regional sense, sort of second rate corollaries to the European Schiele and Klimt, but not deserving of the acclaim they ultimately achieved. These painters were awarded the sobriquet "Apostles of Ugliness" by the public, based on their gritty representation of life during the time. That verite is well and good if the image is at least rendered well or imaginatively. Bellows and Hopper are sometimes associated with the Ash Can school but their work stands head and shoulders above the original eight in it's brilliance.

From Wikipedia:
Walter Keane was born in Lincoln, Nebraska, Walter Keane became a highly-popular post World War II figure painter of wide-eyed "lost" children, waif-like and sympathy provoking. These images were reproduced throughout the world with originals in many collections including the United Nations, the National Museum of Contemporary Art in Madrid, Spain, and the National Museum of Western Art in Tokyo, Japan. At the age of fifteen, he moved to Los Angeles to live with an uncle, and as a young adult, seemed headed towards a business career, following in the footsteps of his father. However, he began painting on his own, and in 1938, abandoned the business idea to attend college in Berkeley from where he graduated three years laterHe became so torn emotionally between the pressure of his father to be practical and go into business and his own inner drive to be an artist that he developed ulcers. But late in 1943, he made the final decision to become an artist and painted full time for a year in Berkeley and then enrolled in the Ecole des Beaux Arts in Paris where he lived a raucous Bohemian-style life. In Paris, he painted street scenes and figures including nudes, and from 1946 to 1947, he went to Berlin where he began his signature theme of "Lost Children." These paintings were inspired by his shock at seeing the thousands of war-orphaned, poverty-stricken children. Wanting to capture the realism of these people, he abandoned the Abstract Expressionism he had flirted with and focused on a style that more closely resembled Realism with elements of Modernism. He stayed in Europe until 1949 and then returned to Berkeley where he worked from his Berlin drawings and did a lot of painting in Sausalito, living at North Beach. He married his wife, Margaret, also an artist, and they lived in Oakland, and became public personalities because his work was collected by so many movie stars. By 1956, he and Margaret opened a gallery at the Royal Hawaiian Hotel in Honolulu, and again his work got much attention. Shortly after, the couple returned to San Francisco where they had a gallery at 494 Broadway for two years and then opened a gallery in New York City. Again he had many collectors but also received criticism for being repetitious with every canvas having a "lost" child. In 1965, Walter and Margaret Keane divorced, and a judge ruled against him when he made claims that certain paintings of waif-like children signed Keane were by him. When the judge asked Margaret and Walter to each produce a painting in that style and subject matter, he declined and she readily performed. The conclusion, according to "Artnews" November, 2000 is that some of the paintings attributed to him are in fact by his former wife.

When I was taking art history in college, I dared to ask if these guys were in fact wearing clothes. Some of the abstractionists seemed to be lousy painters looking for an "easy" venue to hide their natural lack of talent. This would tend to enrage the professors, who said that of course they knew how to draw, but they had gone beyond the yeoman's craft of drawing and painting. The truth is that many never learned how to draw. Look at Selden Connor Gile and compare his draftsmanship to your average second grader and tell me honestly who has the superior skills? And you may want to find a couple of those neat Keane paintings. If Henri is such a big splash, they are bound to appreciate.


Looking Up to His Noble Father: The Early Life of Henry I

The death of a great king rarely failed to cause succession troubles, no matter the historical period. The king’s wealth and power are coveted by his offspring even before he is dead. And in early Norman England, this was especially true.

William, starting off as the Duke of Normandy , managed to greatly expand his power after launching a successful invasion of Anglo-Saxon England in 1066. Over the next few decades, he solidified his rule and in many ways greatly changed the face of medieval Europe. Of course, as a powerful ruler, William the Conqueror sired many children. He and his wife Matilda had at least nine children, however not all of them reached adulthood. The succession struggles would ultimately fall to his three sons: Henry, William Rufus, and Robert Curthose. All three of them inherited their father’s cunning and the desire to rule, all the more emphasized by their restless Norman roots.

The Bayeux Tapestry, chronicling the English/Norman battle in 1066 which led to the Norman Conquest, led by William the Conqueror, father of King Henry I. (alipaiman / Gemeinfrei )

Henry’s date of birth is generally accepted as 1068 AD. The location of his birth is most likely Selby, located in Yorkshire. His date of birth tells us that it happened just two years after his father, William, conquered England. His mother was Matilda of Flanders, the daughter of a prominent nobleman, Count Baldwin V of Flanders. Henry was the youngest son of this noble couple and the fourth son overall.

An early portrait of the young Henry I long before he became king of England. ( Gemeinfrei )

However, the couple’s second son, Richard of Normandy, would die early on in his youth, and that left only Henry, William, and Robert. There was also a noticeable age difference between the brothers, as Henry was born more than a decade after his siblings. However, this difference in no way stopped the brothers from vying for power.


Robert Henri (1865-1929)

WORLDS BEST PAINTERS
For top creative practitioners, see:
Best Artists of All Time.
For the greatest view painters, see:
Best Landcape Artists.
For the greatest genre-painting, see:
Best Genre Painters.

WHAT IS VISUAL ART?
For an explanation of the
terminology, see:
Art: Definition and Meaning.

American painter, Robert Henri was one of the leading figures of the Ashcan School of Art in New York. This was an art movement best known for a style of oil painting which portrayed the realism of everyday life in New York. Henri was also noted for his portrait art and figurative works. Born in Ohio, his family moved to New York when he was a teenager. He studied in Paris at the Julian Academy, where he came under the influence of French Impressionism. He continued his studies at the Ecole des Beaux Arts and the Pennsylvania Academy of the Fine Arts. It was at the Pennsylvania Academy, that he met the first members of the Ashcan School, the modern artists William Glackens (1870-1938), George Luks (1867-1933), Everett Shinn (1876-1953) and John French Sloan (1871-1951). The other painters who joined to make "The Eight", were Arthur B. Davies (1862-1928), Ernest Lawson (1873-1939) and Maurice Prendergast (1859-1924). They held their first group exhibition in 1908 to critical acclaim. By this time Henri had rejected traditional academic painting and Impressionism in favour of a raw, realistic, almost muddy style. In 1913 five of Henri's paintings were accepted for the famous Armory show, the exhibition that first introduced the American public to European modern art. Between 1915 and 1927 he was an influential teacher at the Arts Student League, some of his pupils included Edward Hopper (1882-1967), George Bellows (1882-1925), Rockwell Kent (1882-1971) and Yasuo Kuniyoshi (1893-1953). Henri's best known paintings include: Snow in New York (1902, National Gallery, Washington DC) and Tam Gan (1914, Albright-Knox Art Gallery).

He was born Robert Henry Cozad in Cincinnati, Ohio, the son of a professional gambler and businessman. In 1881 his father was indicted for manslaughter and a year later, the family fled to Atlantic City, New Jersey. His father was cleared of the crime but his name was ruined. To avoid further scandal he changed the family name to Henri. In 1886, Henri enrolled at the Pennsylvania Academy of Fine Arts, studying under Thomas Pollock Anshutz (1851�), who himself had learned from American Realist Thomas Eakins (1844�). Henri also studied under Thomas Hovenden (1840㫷), a painter of domestic realistic scenes. In 1888 he travelled to Paris and enrolled at the Julian Academy, under the classical academic painter Adolphe-William Bouguereau (1825�), and Tony Robert-Fleury (1837�), known for his historical compositions and portraits. Although Henri was to reject many aspects of his academic training, from Bouguereau he learned the importance of designing the canvas as a whole in order to achieve a unified composition. He also adopted the academic technique of making rapid oil sketches (known as pochades) as preparatory studies for larger works. During the summers, like many artists before him, he painted in Brittany and Barbizon, and visited Italy to view its Antiquities and Renaissance masterpieces.

In 1891 he studied briefly at the Ecole des Beaux-Arts before returning to America and the Pennsylvania Academy. At the same time, he became an art teacher at the School of Design for Women, where he taught for three years. He continued to make regular trips to Paris, where he was particularly influenced by the work of Frans Hals (1580-1666), Edouard Manet (1832㫫), Goya (1746-1828) and Velazquez (1599�) in the Louvre. In 1899, his painting The Snow was purchased by the National Museum of Luxembourg, this was his first museum sale.

The Group of Eight and the Ashcan School

In Philadelphia, Henri began to attract a group of followers who met at his studio to discuss culture and aesthetics. They discussed the novels of Balzac, Tolstoy and Zola, marked by their powerful descriptions of the lives of the working class. Henri became convinced that art could be noble, on a par with writing, and could a meaningful tool for portraying the plight of the poor.

He shared this thought with four others, who were illustrators for The Philadelphia Press who became known as the 'Philadelphia Four': William Glackens, Everett Shinn, George Luks and John French Sloan. Henri met them all while studying at the Pennsylvania Academy. They were soon joined by Arthur B. Davies, Ernest Lawson and Maurice Prendergast (1859-1924) and, together, became known as the Group of Eight. Their subject matter was the grit and dirt of cityscapes, in particular New York where they were based.

Henri's Snow in New York (1902, National Gallery of Art, Washington DC) is a wonderful example. He depicts New York's brownstone apartments hemmed in by faceless city blocks. The noise of the city is quietened by the newly fallen snow, which reveals grey slush and traffic ruts left by the horse and carts. The artist urged his students to reject the 'Ideal' and instead to focus on 'Reality'. This was the core of his individual contribution to American art. He promoted the idea that painting should spring from life, not from academic theories or classical aesthetics, and became a powerful influence in persuading young painters to capture the richness of urban reality, rather than rely on academic notions about art.

The Group of Eight held their first famous exhibition in 1908 at the Macbeth Gallery in New York. The work on display was diverse, only five of the artists were painting gritty urban scenes. There was no central organisation, in fact the first person to use the term 'ash can' was the cartoonist Art Young (1866-1943) in 1916. The term was later also applied to other artists such as Edward Hopper and George Bellows as they also portrayed city scenes. However Hopper rejected the classification, stating that his cityscapes had 'not a single incidental ashcan in sight'. All were unified however in their rejection of the genteelism of American Impressionism - see for instance works by Childe Hassam - which was more popular at the time. In contrast to the lightness of Impressionism, the Ashcan's canvasses were generally dark in tone, capturing fleeting but harsh elements of daily life. Prostitutes, boxing matches, drunks and overflowing tenements were common themes.

Henri is also known for his portrait paintings, which remained his primary form of expression. He built on the tradition of American Realism established by the great Thomas Eakins. His refusal to beautify his sitter beyond reality earned him the epithet the 'Manet of Manhattan'. In light of this, it's perhaps not surprising that his portraiture was not especially lucrative, and he was obliged to rely on teaching for his main income. His early portraits were dramatically dark, in the manner of Velazquez, Whistler and Manet - painted so as to impress juries at exhibitions. However, after the 1913 Armory Show, he took a trip to California which led to a period of great experimentation: his paintings took on a fresher, more modern look, as can be seen in Tam Gan (1914, Albright-Knox Art Gallery). By 1916, although no longer viewed as a forerunner of new developments, he continued to experiment with his painting. A masterpiece of this period is the life-size painting of Ruth St Denis, a dancer, painted in 1919. Between 1924 and 1928, he spent periods of time on Achill Island in Ireland, where he painted the local children as well as the local landscape. See also: Irish Art Guide.

In 1910 Henri organised the first Exhibition of Independent Artists and, in 1913, helped the Association of American Painters and Sculptors organise the Armory Show. This Show, also known as the International Exhibition of Modern Art became a seminal event in the history of American art. It introduced amazed New Yorkers - accustomed to realist art - to avant-garde art from Europe, including highly abstract works of Cubism and Futurism. The show served as a catalyst to American artists to free themselves from realism, and create their own independent artistic language. On the other hand, it also marked the point at which Henri's influence began to wane, although he continued to win awards and recognition.

From 1915 to 1927 he taught at the prestigious Art Students League, where he was a progressive and highly influential teacher. He continued to paint, displaying an interest in the works of Whistler and certain symbolist painters. He wrote and spoke about the American painters Winslow Homer and Thomas Eakins, and the Europeans Velazquez and Manet. Henri's thoughts on art inspired his students, influenced later realist movements like American Scene Painting and Regionalism, and he continued to be quoted well into the 1980s, latterly by the graffiti artist Keith Haring (1958-90). Henri died in 1929. Two years later the Metropolitan Museum of Art held an exhibition in his honour.

Paintings by Robert Henri can be seen in many of the best art museums throughout the world.

• For more biographies of New York artists, see: Famous Painters.
• For our main index, see: Homepage.


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